Рисует в стиле магического или фантастического реализма, и по мнению художника его творчество ближе к Босху чем к Сальвадору Дали.
]]>
Magdalena Owll - польская художница, к сожалению, не нашла о ней никакой информации. Когда появится, - обязательно добавлю!
]]>
]]>
Дима Дмитриев родился в Москве, России, и представляет второе поколение художников в его семье. Он переехал в Прагу, где закончил Академию художеств, архитектуры и дизайна. Как его картины привлекли к себе внимание и похвалу на художественных выставках по всей Европе, Дима стал одним из самых обсуждаемых молодых художников, проживающих в художественном сообществе Праги. Дмитриев принял участие в персональных и групповых выставках в Европе, Северной Америке и Азии.
Картины Дмитриева представляют "визуальный рай". Он описывает это как процесс извлечения цвета, света и текстуры из реальных мест и перегонки эти на его полотна, как идеализированные миры.
Дима редко использует кисти. Его предпочтительный инструмент - мастихин.
Дмитриев также добавляет глубину и насыщенность цветов для некоторых своих работ, используя черный, а не традиционно белый холст. Импрессионистические композиции Димы и стиль в сочетании с его мастерством мастихина создают картины, которые являются яркими и скульптурными.
Его работы часто включают темы детства, природы и моря. Многочисленные учреждения, включая AT&T, Vodafone, или AWD Holding AG приобрели его картины для своей коллекции произведений искусства. Его работы находятся в частных коллекциях в Чехии, США, Испании, Германии, Великобритании, России, Швейцарии, Гонконге, Австралии, Катара, и Доминиканской Республики и других.
Экспозиции:
1994-98 "Домино" Галерея - Прага, Чешская Республика
1998-99 "U Cerveneho Beranka" Галерея - Прага, Чешская Республика
1999-05 "D-Арт" Галерея - Прага, Чешская Республика
2000-03 «Арман-Арт" Галерея - Прага, Чешская Республика
2004 "Москва Галерея современного искусства" - Москва, Россия
2004 "Галерея Горация Рихтера" - Старый Яффо / Тель-Авив, Израиль
2004-05 "Art Gallery" - Карлштейн, Чехия
2006 "Cerale Выставка" Галерея - Ceriale, Италия
2005-11 "ВАМ-Арт" Галерея - Прага, Чешская Республика
2008 "Art Ireland 2008" - Дублин, Ирландия
2008-09 "ArtCity" Галерея - Прага, Чешская Республика
2007-11 "Михальска" Галерея - Прага, Чешская Республика
2010 "Аллегро Arts" - Woodside, Калифорния
2010-11 "Canvasations" Галерея - Редвуд-Сити, Калифорния
2011 "Konditorei" - Portola Valley, Калифорния
2011-12 "Art11" Галерея - Прага, Чешская Республика
Жос де Мей (Jos de Mey) родился в1928 году в Бельгии. Обучался в Королевской Академии Изящных Искусств в Генте (Бельгия), а затем на протяжении 39 лет обучал студентов дизайну интерьеров.
С 1968 года, оставив преподавание, он полностью сконцентрировался на рисовании. Первые его работы, еще в период преподавания, были основаны на использовании различных математических законов и последовательностей, таких как ряд Фибоначчи и золотое сечение, но с 1976 года он с особой выразительностью стал использовать обман зрения, наряду с точным воспроизведением материалов и эффекта света и тени.
Он стал уделять огромное внимание окружению, детально прорисовывая небо, траву, деревья, дома, воду и проч. Ландшафты, изображенные на картинах, являются типичными для Фламандии, где живет художник.
Изображение невозможных фигур как таковых только увеличивает кажущуюся реалистичность. На многих картинах художника изображены люди, которые изначально были персонажами картин известных голландских художников, земляков Жоса де Мея, М.К. Эшера, Питера Брейгеля и Рене Магритта.
По словам самого Жоса де Мея, они играют роль статистов, предназначенных для того, чтобы показать масштаб конструкций. Ведь невозможные конструкции являются главной частью в каждой картине художника.
Сооружение выглядит больше, если люди изображены значительно меньше сооружения, и наоборот, чем больше люди на картине, тем меньше выглядит сооружение.
Также, часто на картинах Жоса де Мея изображена сова. Эта птица в Голландии имеет двоякое значение, с одной стороны — она является символом теоретических знаний, а с другой стороны — совой голландцы называют человека, которые выглядит глупо.
Жос де Мэй рассказывает о своём творчестве:
"....Впервые работы Эшера я увидел в 1956 году. Я принимал участие в выставке современного дизайна интерьера в Музее Прикладных Искусств в Генте. Кроме моего дизайна мебели я представлял абстрактные настенные изображения. В это же время в том же музее проходила выставка работ Эшера. Его работы произвели на меня громадное впечатление. Картины "Смятие", "Болото" и "Капля росы" я никогда не забуду.
Позже в 1958 году я принимал участие на международной выставке в Брюсселе со своими графическими работами, основанными на последовательности Фибоначчи, золотом сечении и идеях ле Корбюзье. В 1959 году профессор М. Верзель дал мне копию статьи, написанную отцом и сыном Пенроузами о невозможных фигурах и "Британского журнала психологии". В 1963 с помощью моего коллеги де Вогелера (de Vogelaere) я открыл для себя "пифагорово дерево" в версии предложенной А. Босменом (A. Bosman). В первой половине шестидесятых годов вместе с моими студентами мы изучили большой раздел геометрии о многогранниках и других трехмерных структурах. В 1966 году были созданы сложные круговые композиции и работы с использованием симметричного разбиения квадрата и куба. Тем временем в 1962 году я приобрел первую книги об Эшере. Это была книга "Основы минералогии и кристаллографии" профессора Б.Г. Эшера, брата М.К. Эшера. В 1968 году я посетил большую выставку Эшера в гаагском Муниципальном Музее.
Случайность это или нет, но в этом же году я решил закончить частную практику (дизайн интерьера и мебели), оставив только занятия в Институте Архитектуры, чтобы сконцентрироваться на карьере художника. До этого времени я делал только наброски, а законченные проекты представляли собой правильные и очень точные сцены. Но эти правильные и точные сцены являлись лишь частью моей работы. Как следствие я начал использовать в своих картинах нечто нереальное или невозможное. Так я пришел к использованию невозможных фигур.
Первые картины периода 1968–1976 годов были цветные абстрактные композиции, базировавшиеся на использовании фигур Тьери и сдвоенных линий, как в работах Джозефа Альберса. На этих картинах в основном были показаны "объекты", помещенные в несуществующее пространство. Они являлись представлением странных объектов, которые не имели ни верхней, ни нижней, ни левой, ни правой сторон. И если на картине не было особых пометок, то ее можно было повесить вверх ногами или даже наискось. Позже объекты и конструкции помещались на бесконечную поверхность.
Начиная с 1976 года в моих работах стали более выразительно использоваться оптические эффекты – обман глаз, использование точного воспроизведения материала и основательно изученные эффекты света и тени. Я уделял огромное внимание на окружение, детально прорисовывая небо, траву, деревья, дома, воду и проч. Изображение невозможных фигур как таковых увеличивало кажущуюся реалистичность. Для меня это дало возможность выделить себя из анонимной интернациональной абстрактности. Таким образом, я получил возможность изображать то, чего быть не может, и делать это таким образом, что создается впечатление, что изображение кажется реальным. И в самом деле, неподготовленные зрители утверждают, что мои картины не нарисованы, а сфотографированы.
Теперь я хотел бы рассказать о некоторых аспектах моей работы, по поводу, которых возникает наибольшее количество вопросов.
Кроме этих шести наиболее часто задаваемых вопросов я хотел бы осветить еще несколько вопросов.
Блестящая обезличенная скрупулезно точная техника рисования.
Я стараюсь писать картины так, что фотографический реализм придает невозможным архитектурным композициям видимость "возможного изображения". Неправильность невозможных фигур становится еще более мистической и, следовательно, более привлекательной.
Угол падения света.
Немногие это заметят, но я всегда использую в своих картинах один и тот же угол падения света. Источник света (солнце?) расположен под углом 45° слева сверху и под углом 45° позади зрителя. Это придает некоторое постоянство моим картинам, которые с другой стороны сильно отличаются темами и ситуациями.
В заключение я хотел отметить, что я всегда хотел доставить наслаждение и глазам и уму. Я убежден, что зрительное наслаждение ничего не значит без умственного. Искусство удовлетворяющее только ум – интересно; искусство удовлетворяющее лишь взор – поверхностно. Поэтому я всегда смотрю на искусство с двух сторон – интерес и эстетическое удовлетворение..."
Рассматривая внимательно картины Жоса де Мея можно обратить внимание, что на них присутствует достаточно ограниченный набор персонажей. Причем достаточно часто эти персонажи переходят из одной картины в другую. Причем все действующие лица картин настолько мастерски вписаны в окружающую их обстановку, что кажутся неотъемлимой частью данной картины. На самом деле действующие лица картин Жоса де Мея придуманы не самим художником, а позаимствованы с работ других художников – земляков Жоса де Мея – М.К. Эшера, Питера Брейгеля (Peter Bruegel) и Рене Магритта (Rene Magritte).
Больше всего героев Жос де Мей заимствовал у Питера Брейгеля. Еще одного героя - сидящего человека, у которого в руках невозможный куб - Жос де Мей заимствовал у М.К. Эшера с гравюры Другой персонаж, который по сути и не является человеком взят с картины Рене Магритта 'Le thérapeute'. Он только издалека напоминает человека, но на самом деле это просто клетка с птицами, на которую сверху кто-то положил шляпу...
]]>
Cattelya Орхидея и три бразильских Колибри
"Река Флорида : Ранний вечер, после заката"
Форт-белохвоста Woodnymph
артин Джонсон Хэд был единственным американским художником девятнадцатого столетия, сделав ощутимый вклад в развитии живописи, в жанрах пейзаж, морская тематика и натюрморт. Фактически все его натюрморты были цветочными. Начиная с простых картин - цветы в вазах, написанных им в начале 1860-ых годах, в дальнейшем достигшие полного совершенства, когда появились его полотна с роскошными розами, магнолиями, и другими цветами, расположенными на плоскости, красиво задрапированной бархатом.
В 1818 году, в небольшой сельской общине Ламбервилл (Lumberville), расположенной на берегу живописной реки Делавэр, штат Пенсильвания, США, родился Мартин Дж. Хэд (Martin Johnson Heade), в будущем известный художник, натуралист и поэт.
Мартин был первенцем фермера и владельца лесопилки Джозефа Кауэлла. С раннего детства он удивлял окружающих своим пристрастием к рисованию. Свои первые уроки юноша получал у местного живописца Эдварда Хикса (Edward Hicks, 1780 – 1849гг), и брата Эдварда, Томаса Хикса.
Успехи Хэда были настолько велики, что в 1840 году, он поехал продолжить обучение живописному мастерству сначала в Англию, затем в Европу, во Францию и в Италию, точнее в Рим, где он учился мастерству в течение двух лет.
В 1843 году, он вернулся в США и поселился в г. Нью-Йорке, а в 1847 году переехал в Филадельфию. В 1848 году, повторная поездка в Рим и посещение Парижа, окончательно сформировали в нем тягу к перемене мест, к путешествиям. После возвращения из Рима, он прожил год в Сент-Луисе, но в промежутке с 1852 г по 1857 г, он переезжал, по крайней мере, три раза, в Чикаго, Трентон, и Провиденс. Побывал он так же в Миссури, Иллинойсе, Южной Америке, Британской Колумбии, Калифорнии, и, наконец, во Флориде, где Хэд и обосновался.
Поворотным моментом становления Хэда, как самобытного живописца стало его проживание в Нью-Йорке (1859г), он тогда арендовал часть художественной мастерской на Десятой Улице. Сблизившись с художниками пейзажистами, особенно с Фредериком Хучем (Frederic Church), который сумел вдохновить Хэда на начало развития собственного стиля в живописи и зажег в нем интерес к пейзажу с его тонкими атмосферными эффектами.
С 1861 года до середины 1863 года, Хэд провел в Бостоне, создавая на своих полотнах первозданный прибрежный пейзаж, в манере, присущей только ему. Во второй половине 1863 года, Хэд отправился путешествовать по Бразилии, пробыв там почти год. Целью путешествия было создание иллюстраций всех видов южноамериканских птиц колибри, которые впоследствии хотел издать в Великобритании. Хэд упорно продолжал рисовать колибри в тропическом окружении, ставшие главной темой в его живописи.
В 1883 Хэд впервые женился и обосновался на постоянное жительство в городке Сант Огастин, во Флориде.
Он нашел первого и единственного поклонника своего творчества, крупного промышленника и магната Г. Моррисона Флаглера (Henry Morrison Flagler), который начал регулярно приобретать работы художника в период с 1880-ых по 1890-ые года. В Нью-Йорке, о нем фактически забыли. Может из-за отсутствия широкого признания своего творчества, Хед стал реже подходить к мольберту.
Прошло какое-то время, и в возрасте шестидесяти четырех лет у Хэда снова появилась уверенность в себе. Видимо этому способствовала стабильность в личной жизни, что и отразилось в живописи. Появилась энергия, возобновился интерес к написанию натюрмортов, чаще всего он изображал магнолии. Его картина «Крупные Магнолии на синем бархате», с поразительным контрастом совершенных, белых цветов и зеленых листьев на темном бархатном фоне, является шедевром натюрморта среди большинства картин этого жанра девятнадцатого столетия.
Включение полотна «Крупные магнолии на синем бархате», являющейся одной из пяти картин Хэда, представленных на выставке «Новый Мир: Шедевры Американской живописи, 1760-1910 г.», проводившейся в 1983-1984 годах в Бостоне, Вашингтоне, и Париже, явились свидетельством высокого признания живописца Мартина Хэда, не только у него на родине, но и во всем мире.
Яцек Йерка - Jacek Yerka - псевдоним Яцека Ковальского.
Он родился в Северной Польше в 1952 году в городе Торунь. Его настоящее имя - Яцек Ковальский. На ранних работах художника можно увидеть букву "K" или "Jacek Yerka" заем художник сал использовать подпись "YERKA".
Будущий художник рос в окружении средневековой архитектуры, чудом уцелевшей после бомбежек во время второй мировой войны. Окрестности дома и кухня бабушки, где юный Яцек проводил много времени, оказали огромное влияние на творчество художника.
Творческие способности Яцека Йерки начали бурно развиваться, во время обучения графике на Факультете Изобразительного Искусства в Университете Николая Коперника в городе Торунь. Преподаватели пытались научить Яцека рисовать в более современной, абстрактной, менее детализированной манере, но художник видел в этом желании преподавателей попытку "удушить" его собственный стиль. Со временем учителя Йерки оставили эти попытки, принимая необычный талант ученика.
"Mind Fields" книга, вышедшая в 1994 году и содержит около 30 работ Йерки - это результат совместного творчества Яцека Йерки и американского писателя-фантаста Харлана Эллисона, который писал рассказы специально для этой книги.
В 1995 году Яцек Йерка получил престижную премию "World Fantasy Award" как лучший художник.
Вокруг работ художника ходит немало споров, например разные критики часто по-разному классифицируют стиль Яцека Йерки, относя его то к сюрреализму, то к фентези, то к виженери-арту. Яцека Йерка часто называют «польским Дали», хотя у Сальвадора он позаимствовал немного – принцип двойственности образа (оптическое видение, визуальная метафора) и, пожалуй, способ преобразования, преломления пространства, сюрреалистическую игру с ним. Реалистический сюрреализм – как бы парадоксально не звучало это сочетание, но оно вполне соответствует действительности.
Работы Яцека Йерки получили очень широкое распространение и их можно встретить во множестве различных печатных изданий в США, а так же на выставках в Польше, Франции, Германии, США, Монако и в некоторых частных коллекциях по всему миру.
Официальный сайт художника http://yerka.org.ru/
]]>Для просмотра картин с музыкой включайте mp-3 плейер:
http://www.youtube.com/watch?v=wEnlQp-9tiE&feature=youtu.be
День и Ночь
Magic forest
Seasons
Mermaids
Freedom
Magic fire
Faery
Fairies-nurses
Belief, Hope and Love
Christmas Angel
Nutcracker
Merry Christmas
Christmas wonder
Christmas
Forest fairy
Night fairy
Flower fairy
Fairy world
Liliac angel
Night Angel
Fairy
Angel with flute
Angel with irises
Angel with violin
Water-leu
Happy together
Happy way
Fairy book
From the Heavens to the Earth
Fairy-prisoner
Fairy key
Fantastic world
Надежда Стрелкина — профессиональный художник, член Союза художников России. Родилась в 1960 г. в поселке Федоскино. Закончила Федоскинскую школу миниатюрной живописи. Работала на Федоскинской фабрике лаковой миниатюры. Ее работы находятся в музее Федоскиной фабрики, а также в частных коллекциях Англии, Франции, Америки. В 1997 году Надежде Стрелкиной был присужден Хрустальныхй Кубок американской компании Bradford Exchange за серию работ «Музицирующие ангелы».
Надежда Стрелкина всегда считалась уникально одаренным художником оригинальных работ. Вдохновленная старыми русскими легендами, народными сказаниями и религиозными убеждениями, Надежда в своих работах рисует сказочные образы ангельских женщин, которые вызывают эмоции и даже духовные чувства у зрителей. Она пишет в самой тонкой форме и особенно известна своим написанием мягких, безупречных лиц, изящных поз, которые отражают суть женской красоты.
Официальный сайт http://strelkina.com/
]]>
mp-3-плейер для просмотра с музыкой
http://www.youtube.com/watch?v=N_1qh0DBlS0&feature=youtu...
Человек с филином
На Калиновом мосту
Вольга и Микула
Василий Буслаев
Бой со Змеем
Гуси-лебеди
Илья Муромец и голь кабацкая
Садко и Владыка морской
Садко
Семаргл
Евпраксия
Звездное небо
Алеша Попович и красна девица
Русский витязь
Бой Добрыни со змеем
Над Волгой
Авдотья-рязаночка
Горят пожары
Вольга
Витязь
Илья Муромсец, стреляющий по церквям
Илья Муромец освобождает узников
Валькирия
Князь Игорь
Северный орел
Плач Ярославны
Свентовит
Один
Рождение Дуная
Настасья Микулишна
Ожидание
Гадание
У чужого окна
Нечаянная встреча
Жница
Весна
Русалка
Великан
Старец
Северная легенда
Прощание славянки
Свияжск
Прощание с молодостью
Струна
Константин Васильев родился 3 сентября 1942 года в городе Майкопе Краснодарского края. Его отец Алексей Алексеевич родом из Петербурга, участник трёх войн (1-й мировой, гражданской - сражался в Чапаевской дивизии, 2-й мировой - партизан, коммунист), инженер, большой знаток и любитель природы, поклонник литературы.
Мать Клавдия Пармёновна Шишкина - по линии своей матери из саратовских крестьян.
8 августа 1942 года Майкоп был оккупирован фашистами, отец ушёл в партизаны. Но уже в феврале 1943 года город освободили, отец вернулся. В 1946 году семья переехала в Казань, затем в Васильево, в тридцати километрах от города, напротив места, где Свияга впадает в Волгу. Девственные леса, речные просторы... Вместе с отцом Костя ходит на охоту, на рыбалку. Это были, видимо, незабываемые мгновения, когда душа открыта всему чудесному в мире. Он рано начал рисовать. Матушка говорила о нём: "Он родился с карандашом в руках". Родители всерьёз задумались о дальнейшем развитии таланта, данного судьбой их сыну.
Прекрасно сдав экзамены, Константин Васильев становится учеником Московской художественной школы-интерната при институте им. Сурикова Академии художеств СССР. С 1954 по 1957 год он жил и учился в Москве. Эти годы наполнены впечатлениями от изобразительного искусства, музыки, театров.
Учился в Казанском художественном училище (1957—1961). Работал учителем рисования и черчения в средней школе, художником-оформителем. Творческое наследие Васильева обширно: картины, графика, этюды, иллюстрации, эскизы росписи церкви в Омске. Произведения начала 1960-х гг. отмечены влиянием сюрреализма и абстрактного экспрессионизма («Струна», 1963; «Абстрактные композиции», 1963). В конце 1960-х гт. отказался от формалистических поисков, работал в реалистической манере.
Васильев обращался к народному искусству: русским песням, былинам, сказкам, скандинавским и ирландским сагам, к «эддической поэзии». Создал произведения на мифологические сюжеты, героические темы славянского и скандинавского эпосов, о Великой Отечественной войне.
Ушел Константин Васильев в 34 года, как бы подтверждая зловещую теорию о связи гениальности и неизбежной ранней смерти. Художник погиб странно, насчитали даже четыре версии его смерти: 29 октября 1976 года был избит хулиганами в пустой электричке, выброшен на ходу из поезда, был зарублен топором, был сбит поездом на станции Антропшино. Уголовное дело прокуратурой не возбуждалось, следствия не было, и обстоятельства и причины гибели Константина Васильева, наверное, так и остантся тайной.
Художник оставил после себя около 400 картин, большая часть его творческого наследия – 82 полотна – хранилась в музее. Судьбе художника трудно позавидовать.Непризнаный и гонимый при жизни, он писал как одержимый, как будто чувствовал, что скоро уйдет. Если вдруг появлялся экстравагантный покупатель, заинтересовавшийся непризнанным гением, художник просто измерял свое творчество школьной линейкой по диагонали и брал с ошарашенного коллекционера по рублю за сантиметр. И только много лет спустя люди заметят, что картины Васильева порождают так называемый «синдром Стендаля» , и посетители выставок и музея будут терять сознание от безумной энергетики, которую мастер вложил в свои полотна. Его картины пользуются невероятной популярностью и оцениваются во многие миллионы долларов. За 20 лет состоялось более полусотни персональных выставок в городах России, а также в Болгарии,бывшей Югославии, Испании.
В 1988 году Константину Васильеву была посмертно присуждена Премия комсомола Татарии им. Мусы Джалиля за цикл картин о Великой Отечественной войне.
В 1996 и 1998 годах были открыты два музея и Картинная галерея Константина Васильева.
Музей в Москве, где хранились 82 картины художника, создавался с большой любовью поклонниками творчества Васильева. Это настоящие русские патриоты во главе с Анатолием Ивановичем Дорониным, любящие творчество Константина Васильева и преданные своему делу.
Чтобы создать музей, три года обивались пороги правительства Москвы. Наконец дали в аренду разрушенный особняк, от которого осталось всего три стены. Потом, почти десять лет восстанавливали его, своими руками, на свои деньги. И вот, в 1998 году музей открылся. Но земля в Москве — лакомый кусочек, много желающих отнять ее, на этой территории, где находится музей, планировалось построить 2 высотных здания. С 2005 года начались атаки на музей – рейдерские наезды, суды, поддельные документы, подписи…
Перед тем, как 15 картин из музея Константина Васильева должны были быть переданы в собственность сестры художника, собрание Клуба решило провести экспертизу всех картин на предмет установления их подлинности. Некая юридическая фирма "Частное право" предложила свою помощь в перевозке и размещении картин на территории закрытого режимного предприятия "Восход". Однако затем картины странным образом исчезли.
В ту же ночь музей подожгли. В ночь с 21 на 21 сентября 2009 года в здании музея Васильева произошел пожар.
Около 22 часов один из двух находящихся в здании сторожей проснулся и почувствовал запах бензина. Через несколько минут помещение стало заполняться дымом. Горело помешение газовой котельной. Он разбудил второго охранника и они, вызвав пожарных, попытались тушить самостоятельно. Однако огонь распространился через систему вентиляции на чердачное помещение. Прибывшим пожарным удалось довольно быстро потушить пожар.
В результате пожара сгорела крыша и часть помещений. Остальные сильно повреждены водой при тушении. К счастью картин в здании не было, но теперь музей нуждается в капитальном ремонте.
На месте возникновения очага возгорания найдены обгоревшие автомобильные покрышки и деревянные обломки. Даже по прошествии нескольких часов чувствовался сильный запах бензина, что позволяет подозревать умышленный поджог.
Только через год картины были найдены и возвращены теперь уже новой владелице – сестре художника Валентине Васильевой. Картины художника Константина Васильева, которые по решению Бутырского суда должны быть переданы сестре Валентине Васильевой, нашлись в культурном центре ФСБ!
Как заявила Ирина Лахоузова, представитель московского управления службы судебных приставов: "Картины нашли в культурном центре ФСБ, в данной ситуации участвовал сотрудник ФСБ, который занимался перевозкой картин. Впоследствии они исчезли, благодаря службе судебных приставов, они получили информацию о том, что картины находятся в культурном центре ФСБ. Сообщили следствию, следствие уже непосредственно изымало".
В октябре 2010 г. в Москве прошла выставка пропавших картин.
Впрочем Васильевой не пришлось распоряжаться коллекцией - та самая компания аферистов, которая и начала всю эту историю, предъявила ей огромный счет за издержки и оплату судебных решений в ее пользу. Поэтому картины ей пришлось отдать в их распоряжение. В разговоре с директором музея А.И. Дорониным эти люди заявили, что договор на распоряжение коллекцией составлен таким образом, что картины Валентина Васильева не получит никогда.
После поджога здания музея году Клуб любителей живописи К. Васильева был втянут в многочисленные судебные тяжбы с упомянутой юр.формой. И все же, выиграв более 30 неправомерных исков, Клуб вновь открыл музей для посетителей 31 марта 2012 года.
Картины Константина Васильева, безусловно, можно считать национальным достоянием. И уж точно — общекультурной ценностью. И всем поклонникам творчества художника, по большому счету, неважно — кто именно будет содержать у себя картины, главное, чтобы о них должным образом заботились, и они были доступны широкой публике. А уж будет это государственный или частный музей — значения не имеет. Это имеет принципиальное значение только для тех, кто видит в картинах Васильева прежде всего 90 миллионов рублей, а не произведения искусства.
]]>
Айвазовский
Анна Кареніна
Бандура
Берегиня
Верхи на Хомі
Видение в горах
Видіння Нострадамуса
Вітряний день. Клод Моне.
Враження від Моне
Гоген
Дарвин (Наука и религия)
Двійний портрет Ван Гога
Дівчина, що читає Далі
Дух свободи
Звіздар
Купальниці на фоні Сен-Віктуар в присутності Сезанна
Мальви для Квітки Цісик
На театральних підмостках (Шекспір)
Наполеон і слон
Натюрморд Купальський
Ньютон в Саду Ідей
Паганіні
Панночка-Відьма
Пейзаж в італійському стилі
Подглядывающий Фрейд
Політ Вакули
Сільська Леда і профіль Зевса
Сором'язливий Ренуар
Сталинград
Танцюючий Ренуар
Творчість
Чорний піксель
Я малюю тебе
Явління Месії
Олег Щупляк родился в 1967 году в Тернополе. Окончил Львовский Политехнический институт по специальности архитектор, но его призванием всегда была живопись. Художник работает в жанрах ассоциативного символизма, сюрреализма и абстрактного искусства, является членом Союза художников Украины. Преподает в художественной школе города Бережаны.
Авторский сайт Олега Щупляка http://shupliak.com/
]]>
(музыкальное сопровождение просмотра)
http://rutube.ru/video/embed/6109763
Beso del mar
Buddha
Shiva
General's Family
Forever Always
Jimm Сarter
Absents of the Mermaid
Mouth of the Flower
Family of Birds
Sunlight's Kiss
Woman and leaves
To Run With The Herd
Celestial Bodies
Ecstacy of the Lilies
Woman of Substance
Lady in Field of Lilies
Passion of the Lillies
Jane Fonda
Nativity
Mona Lisa's Chair
Sin título
Miracle of Roses
Madonna Rocaille
Palm Sunday
Calvary
Imagine
Lupe
Friendship of Don Quixote
Visions of Quixote
Ballet de Don Quijote
Marlena
Patron of the Homeless
Lady guadalupe
Hollywood Lights
Cristobal Colon
Каждая работа мексиканского художника Октавио Окампо (Octavio Ocampo) содержит двойной (а иногда и тройной) смысл. Он — последователь испанского сюрреализма, основоположником которого был Сальвадор Дали. Его считают одним из главных мастеров метаморфического стиля.
Родился Окампо в 1943 году в Мексике, в семье художников. Учась в художественной школе мальчик с увлечением делал фигуры из папье-маше для алтарей, рождественские игрушки и декоративные украшения для карнавалов. Уже в старших классах Октавио доверили сделать роспись стены в муниципалитете города Селайя и выполнить панно в здании подготовительной школы. Талант юноши был очевиден, поэтому его подруги - дочь художника Диего Риверы – Рут и Мария Луиза Мендоса посоветовали юноше заняться живописью профессионально. После окончания школы Октавио поступил в Школу живописи и скульптуры "La Esmeralda" при Национальном институте изобразительных искусств в Мехико, где учился с 1961 по 1965 год.
В 1972 году Окампо продолжил обучение в Институте искусств в Сан-Франциско, где проучился два года. Во время учебы художник не только изучал живопись, но и пробовал себя в театре и кино. Оказалось, что молодой мексиканец талантлив и в актерском мастерстве, и народных танцах. В том же 1972 году Окампо стал принимать активное участие в выставочной деятельности, с тех пор его картины экспонировались на коллективных и персональных выставках в Мексике, США, Канаде, Латинской Америке, Европе и на Ближнем Востоке.
Окампо успел поработать художником-декоратором. Его декорации используются более чем в 120 мексиканских и американских фильмах и театральных спектаклей.
С 1976 года Октавио Окампо работает в основном в своем любимом метафоричном стиле. Наиболее известен он своими иллюзорными картинами с двойными изображениями. Сам художник в одном из интервью говорил: «Я живу в горной местности на юго-западе от Мехико, которая считается одним из самых магических мест на планете. Как и в районе Бермудского треугольника, в горах Тепоцеко есть странное и необъяснимое, но чрезвычайно мощное слияние магнитных сил, которые мне помогают».
Многие картины Октавио Окампо находятся в музеях и частных коллекциях. Иногда он пишет работы для знаменитостей - на заказ. К примеру, он создал портрет президента США Джимми Картера (приобретенный президентом Мексики Хосе Лопесом Портильо и преподнесенный Картеру в качестве подарка).
Художник также сотрудничал с певицей Шер, создав обложку для ее альбома "Heart of Stone".
В родном городе художника создан музей в его честь.
Официальный сайт Октавио Окампо http://octavioocampo.com.mx/
Леонид Афремов – художник 20 века. Родился он в Белоруссии в городе Витебске в 1955 году в простой рабочей семье. Образование получил обычное в советской школе, которую окончил в 1972 году. В этом же году поступил в школу Искусств города Витебска. Шесть лет, проведенных в этом учебном заведении, не прошли даром. Это были годы его первого творчества. Его картины завораживали своей необычайностью, яркостью и выразительностью. В 1978 году он становится элитным членом Витебской художественной школы. Его творчество сложилось в годы, имевшие исключительно большое значение для советского искусства.
В творчестве Афремову помогала врожденная пытливость, «дух аналитика», постоянно толкавшие его доискиваться законов рисунка живописи. Он был в Советском Союзе признан как художник, однако расцвет его творчества и признания припадают на годы, проведенные в Израиле, куда он уехал в 1990 году. Найти свое место в общественной жизни, определить назначение своего мастерства – вот что волновало в те годы Леонида Афремова, как и всех лучших представителей бывшего Советского Союза, уехавших за границу.
В южной стране Израиль он нашел себя как художник. . Его картины делают зрителей светлее, позитивнее. «Пока меня никто не знал, я был ничем и никем — меня все любили и уважали», как говорит сам художник. Когда же об Афермове стали говорить, то израильские «каноны» стали применять и к его творчеству. Нельзя было рисовать обнаженную натуру, та что там обнаженная натура, проблематично было даже нарисовать чернокожего. Однажды мастерская Афремова была разломана и разбита.
После 12 лет жизни в Израиле он перебирается в США, в штат Флорида. Но его картины можно увидеть во многих странах мира.
Его картины освещены ярким солнцем, пестрыми цветами. Под его палитрой оживает пейзаж. Полотна дышат радостью, свежестью, желанием жить. Его мастерство в области живописи уникально. Необычность заключается в том, что он рисует не кистью, а ножом. Сначала наносит на полотно палитру, а потом искусно «вырезает» ее, удаляя лишнюю краску. Художник не сидит на месте. Его творчество требует новых впечатлений и вдохновений. Художник любит путешествовать. Путешествия заполняют его душу энергией для создания картин. Он много путешествует по странам мира, увиденное он переносит на свои картины, от которых исходит позитив и желание творить. Его картины не просто удивляют необычной техникой письма, они заряжают, дарят радость.
Необычна и его методика рисования, которую он оттачивал и совершенствовал десятилетия. Его художественный стиль уникален и прост. Леонид использует нож вместо кисти. Палитра - сам нож, которым художники пользуются для удаления краски с холста. Такое бывает крайне редко, когда художник пользуется ножом, а тем более как единственным инструментом для живописи.
Художник любит путешествовать. Путешествия заполняют его душу энергией для создания картин. Сегодня он живет за океаном, в штате Флорида.
Свои картины, полные позитива, страсти и огня, Леонид Афремов пишет без использования кисти. Вместо нее он использует специальный нож-лопаточку под названием мастихин. С его помощью автор и наносит на холст мазки, которые впоследствии складываются в потрясающие пейзажи.
Мастихин (от итальянского mestichino), тонкая упругая стальная (реже роговая) пластинка в виде лопаточки или ножа. Мастихин применяется преимущественно в масляной живописи для удаления красок с отдельных участков полотна, нанесения грунта, дополнительного перетирания красок, чистки палитры. Иногда мастихин пользуются вместо кисти для нанесения краски ровным тонким слоем или рельефным мазком.
Если хоть раз увидеть картины этого художника, они навсегда оставят след в вашей душе!
Авторский сайт Леонида Афремова http://afremov.com
]]>
(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6042262
Языческие и кельтские изображения
Изобилие (Abundance)
Фея Аспен (Aspen Fairy)
Authentic Nourishment (Аутентичное питание)
Birdsen chantment (Птичьи чары)
Butter Fairy (Фея Бабочка)
Celtic Fairy Tree Magic
Crystal Dragons
Devas Delight
Dryads Love
Five Star
Forest Dance
Greenman-freyer
Green Man
Harlequin(Арлекин)
Highland Muse
Indigo Pool
Midsummer
Pan&Diana
Solstice Eve
Spirit of the Redwoods
SpringsArrival (Прибытие весны)
Tara Willow
The Portal
Three Dragonflies (Три стрекозы)
Tree of life (Древо жизни)
Web of Wyrd
Yuletide (Магия Рождества)
Юго-западное искусство
AloeMagic
Bear Medicine
Ритуал благословения (BlessingRitual)
Buffalo Woman
Dream catcher
EarthMother (Мать-Земля)
FlowersHouse (Цветы для дома)
Madonna
Flute Player (Флейтистка)
Passion Dancer
Magician
SpirAspirations
Как вы знаете, Земля и ее жители сейчас переживают великое пробуждение. Энергиии более высоких частот вливаются в планету, и помощь от мира духов становится более доступна. Завесы редеют, и все больше людей получают осведомленность в тонких измерениях сознания. Это время великого пробуждения на планете, и художница Арления Уиллоу (Arlenea Willow ) участвует в этом процесс е лично и художественно, а также как мистик, целитель, психотерапевт и энергет.
Американская художница Арления Уиллоу - основатель школы танцев Willow Tree. Ее путешествие в духовность началось через связь изобразительного искусства и эзотерических танцев. Она занималась исследованиями индейской духовности, преподавала в университете города Бойсе и получила БФА-степень Университета штата Айдахо в 1977 году. После переезда в Колорадо в 1980 году, Уиллоу стала изучать суфийские традиции и танцы живота, и буддийские медитации Випассана, и стала магистром трансперсональной психотерапии в Университет Наропы (штат Колорадо, США). Далее Уиллоу работала преподавателем акварельной живописи в системе государственных школ, проектировала этнические костюмы для танцев, создавала тканые гобелены, арт-коллекции одежды, маски и ювелирные изделия.
После нескольких лет практики психотерапии и медитации, осознание высших сфер открылось для Уиллоу. Она начала находить каналы духов природы и вознесенных владык.
Ее целительская работа была сосредоточена на заблокированной энергии в чакрах из ее клиентов и их нерешенных в прошлых жизнях кармических отпечатков.
Вместе со своей помощницей и соавтором Жасмин Кори она выступила оформителем популярного Таро Трансформаций (Tarot of Transformation) и теперь сама использует эту колоду в своих психологических практиках.
Картины Уиллоу называют визионерскими. Они несут энергию, духовность и любовь к культуре коренных народов мира.
Эти картины хорошо использовать для медитаций и релакса.
Официальный сайт Arlenea Willow http://designsbywillow.com/
]]>
(музыкальное сопровожденеи)
http://rutube.ru/video/embed/6044163
Romantic Day
Stairway to Heaven
A Place of Memories
Living sea
Together Again
Fine catwoman
Fine island dream
Add a little color
Fine country lane
Against the Wind
Arm eyes
Avalanche
Beautiful Sadness
Beauty of the fury
Bikini
Bizarre
Blue Eyes
Body Parts
Child s Play
Circle of Friends
Colors of the Rainbow
Dolphin Rides
Don` t Mess with Mother Nature
Dream Maker A Mickey Painting
Dream Walker
Dreamy Eyes
Einstein
The Long Winding Road
Family balance
Fly away
Within the Pages
Fountain of Youth
Wonders Of Nature
Young Artist
Friends of Mother Nature
Girl with wavy hair
Girl with wavy hair
Welcome to America
Hawaiian Eyes
Horses in the Wild
If I were a Mermaid and you were a Unicorn
Weawe world
If only you believe
War Peace
Inspirations
Waiting for the Rain
Invisible
Twilight Zone
Land Sea
Turn back the clock
Littlest Mermaid
True colors
Living in a Jim Warren painting
Tiger within
Living on the edge
They Only Come Out at Night digital
Love Makes the World Go Around
The Way Home
The Way Home
The Wave
Man and Nature
Joker
Man with no words
The Intellect
Mermaid s Teaparty
Mirage
Mobile Home
The Calling
Moonlit Romance
The Discovery
Mother Child
Survivor
Mother Nature for the new Millennium
Surprise
Open Mind
Mr Fish
Surfing Dolphins
Mysteries of Life
Strolling Along the Seashore 1979
Mysteries of the Deep
Rumors of Spring
Prince the Mermaid
Pleasant
Mysteries of the Deep
Pele s Passion
Ocean Dreams
Wild Spirit
Peaceful Morning
On a Clear Day
Out of the blue
Earth Love it or lose it
Джим Уоррен (Jim Warren) родился 24 ноября 1949 года (Лонг-Бич, Калифорния, США).
Начал рисовать в возрасте одного года, как и все дети. Далее проходил обычный путь выбора карьеры: художник, фокусник, художник, рок-звезда, художник и т. д. “Я точно решил в средней школе в 1967, что художник, “или богатый, или известный”, – это тот, кем я собираюсь стать!”
О своей художественная школе он говорит так:
- ...в основном, я самоучка, хотя некоторые азы получил в своем классе искусства в средней школе. В колледже я прошел небольшой курс живописи; также всегда изучал работы великих мастеров в музеях.
В качестве инструментов Уоррен использует обычные масляные краски, кисть (но не аэрограф, как думают иногда) и холст. Его философия в искусстве: “К черту правила … рисуй то, что тебе нравится”.
Первый успех пришёл в 1975 году на выставке в Вествуде, где Джим Уоррен получил главный приз.
В 1990 году его картина "Земля... Люби её, или потеряешь" (Earth. Love it or lose it) получила широкое признание критиков и постоянно появлялась на постерах, обложках журналов, афишах и т.д.
Вскоре эта картина стала визуальным образом мирового движения защиты окружающей среды.
Официальный сайт Джима Уоррена http://www.jimwarren.com/site/
]]>
(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6111722
Эволюция
Танец весны
Чертополох
У моря
Странник
Свечение
Солнечный ветер
У камина
Проявление
Рапсодия
Родник
Сновидение
Николо Паганини
Орхидеи
Осенний прилив
Отражение (3 части)
Портрет с розой
На карнавале
Ностальгия
Волна (левая и правая части)
Грань
Движение
Грёзы
Дерево
Дочь Солнца
Желание
Жемчужина 2
Жизнь
Закат на Амазонке
Застывшая мелодия
Зимний вечер
Зимняя сказка
Золотая рыбка
Ива
Ирисы
Испанский танец
Колыбельная
Мадонна
Маргарита
Медитация
Мир входящему
Мираж
Мироздани
Муза
Горная река
Мир розы
Вот что художник Александр Маранов рассказывает о себе:
- Мои родители - уроженцы деревни Петраково, что на Волге, под Угличем. В трудные пятидесятые поехали на заработки в хлебный город Ташкент да так там и остались. В 1962 году в Ташкенте родился и я. Первый раз взял в руки карандаш лет в семь. Получалось, говорят, хорошо, поэтому мама отвела меня в детскую художественную студию. Все свободное время посвящал рисованию. В конце концов, на семейном совете постановили: быть мне художником. Об этом выборе ни разу в жизни не пожалел.
Маранов Александр Борисович с отличием окончил художественное училище им. П.П. Бенькова и Ташкентский Государственный Театрально-художественный институт им. А.Н. Островского.
Член Союза художников Узбекистана и Международной Федерации художников при ЮНЕСКО.
Работы Александра Маранова находятся в музее Н.К. Рериха (г. Москва), музее Востока (г. Ташкент), Академии художеств (г. Ташкент), корпоративных и частных коллекциях в России, США, Германии, Испании, Хорватии, Франции, Швейцарии, Италии.
Александр Борисович занимает особое место в ряду художников-космистов, как настоящего времени, так и прошлого столетия. Художник, несомненно, обладающий огромным чувством интуиции и высокоразвитым мастерством, смог ощутить существование иного, более тонкого мира. Он запечатлел этот мир в образах на своих полотнах, главный герой которых – Свет. Картины А.Маранова пульсирующие, живые и не просто гармоничные, но и гармонизирующие по своей природе.
Ранние работы художника были выполнены в традиции реалистического живописного искусства. В Москве начала формироваться его новая, уникальная живописная манера, которая до сих пор не обрела своего названия. Его работы иногда называют картинами-видениями, а их автора причисляют к художникам-космистам. За этот период Александром Марановым созданы два цикла произведений - «Сияние» (1992-1998) и «Грань» (1998-2008). Главной действующей субстанцией в них является свет, потоки которого заливают полотна, сгущаются, обретают цвет и форму – и это роднит новую живопись Александра Борисовича с музыкой.
Цикл «Генезис», над которым он сейчас работает, открывает перед нами не только талантливого живописца, но и человека, который работает в параллели с учеными, выдвигающими новейшие теории создания, развития и существования Вселенной. Новая техника изображения видимого мира через пульсацию и динамику, напоминающая, как оказалось, известный в ученых кругах «спайдер-эффект» (эффект волнового взаимодействия физических тел), приводит к размышлениям о многомерности нашего мира, обладающего частотной глубиной, и о параллельности миров. Вибрации, являющиеся ступенями перехода от одного мира к другому, связывают их в единое целое, объединяя Материю и Дух.
Авторский сайт художника http://www.maranov.ru/
]]>(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6111712
Walking
Herbalife
Big Blue
Fly away
Kite
Chairman
Сalm lake
Dream Beach
Circus
Acrobats
Barber
Buffalo
The tree
Canteen
Child
Gulliver
Journey
Marriage theater
Motherhood
Оldman
Relashionship
Roof
To the moon
Treesphere
Water carrier
Urban jazz
Entry
Аttention
Ego in the World of Illusion
Home of birds
Hut
Wooden House
Сamp
Create
Elephantasy
Bookland
Bongo-bongo
Lesson of music
Land of the baobabs
Dry
Gate
Connection
GSM
Home
Housebag
Fatherhood
Non iron
Keyper
Lighthouse
On the roof
Lost
One
Origin
Pegasus
Possessions
The Doors
View
Thief of dreams
Watchman
Zarnowska
In the future
World
Фотографами не рождаются, ими становятся.
Dariusz Klimczak (Дариуш Климчак) родился в небольшом польском городке Серадз в 1967 году. Его путь был сложен и тернист, но вот уже 25 лет он занимается любимым делом — он фотографирует.
Каждая его фотография имеет своё особое настроение, достигающееся с помощью эмоциональных символов.
Вдохновение для своих работ Дариуш черпает отовсюду, видно каков его внутренний мир…
Одиночество непонятного гения прослеживается в фотографиях, сделанных им, хотя для творческого человека душевное одиночество не так плохо, как кажется… Климчак творит в концептуальном стиле, часто в черно-белых тонах, не прибегая к использованию цветов, поскольку считает, что передать всю соль фотографии можно только тогда, когда она чёрно-белая. А благодаря ретуши и некоторым уловкам у него получаются действительно впечатляющие фотографии. Самое главное – не стоит просто перелистывать изображения, стремясь найти что-то эффектное, рассматривая каждую фотографию, необходимо задержаться и подумать...
Сайты Dariusz Klimczak:
http://www.dariuszklimczak.pl/ , http://kleemass.deviantart.com/
Музыкальное сопровождение
http://rutube.ru/video/embed/6111638
Там, где встречаются небеса
The Florist
Sweet Memories
Спокойствие
Течение любви
Танец звезд
Эманации божественного
Танец
Таинственная встреча
Странник
Страж
Сияние радости
Семя творения
Развертывание
Свет Теофании
Путешественник
Свет тайны
Самораскрытие
Психея
Родственный дух
Радость единения
Путешествие душ
Путешествующий в таинственное
Последний вход
Проходя лабиринт
Поток благодати
Последний полет
Портал единства
Bringerof the Dawn
По ту сторону небес
Миграция души
Мессия
Контакт
Капля и океан
Жемчужина
Дыхание весны
Долговечность и торжество
Далекий флейтист
At Sunrise
Born Free
Niayesh
Simple Pleasures
Вечный поток
Берега небес
Божественное откровение
Увлеченные радостью
Фрейдун Рассули (Freydoon Rassouli) – американский художник иранского происхождения (род. в 1943 г. в Исфахане). С раннего возраста он начал рисовать и обучаться писать стихи, а уже в пятнадцать лет был награжден правительственным грантом для изучения живописи в Европе. В 1963 году он эмигрировал в США, где изучал живопись и архитектуру в университете Нью-Мексико. Свою профессиональную карьеру Рассули начал в качестве архитектора, но позже посвятил свою жизнь изобразительному искусству.
Техника живописи Рассули известна как Fusionart – авторский стиль, которому в настоящее время он обучает студентов в Южной Калифорнии. Главная тема Fusionart – космическое единство. Данный стиль возрос на почве мистицизма, восточной духовности и основывается на европейской технологии живописи.
Художник, мистик и талантливый педагог, Рассули в своей деятельности отражает уникальный духовный опыт. По его словам, мощными творческими стимулами для него являются медитации на рассвете, наблюдение за восходом солнца в естественной обстановке, а также воображаемые мистические путешествия по ночному небу.
В настоящее время Рассули занят разработкой учебных программ, позволяющих выявить во внутренней сущности человека творческого ребенка. Он считает, что "как только люди поймут, насколько они креативны, они начнут использовать это качество в повседневной жизни с тем, чтобы обрести равновесие и больше радости".
Рассули – плодовитый художник, демонстрирующий свои многочисленные работы в персональных и групповых выставках. Иллюстрации его картин нередко публикуются в различных печатных изданиях. Он также является автором фресок, украшающих стены общественных зданий.
Фрейдун Рассули о своем творчестве:
"Творение является продуктом синхронизации наших энергий со Вселенной. Когда мы получаем опыт единения и распознаем его, мы начинаем осознавать, что сами являемся Божественной Творческой Силой.
Я не начинаю писать картины с эскизов, я не начинаю рисовать в помещении и не пишу по фотографиям. Вместо этого, утро за утром, перед рассветом, я поднимаюсь на вершину горы. Там, сидя в одиночестве, я наблюдаю восход солнца. Я вижу, как растения раскрывают свои листья, как почки разрывают свои платья и птицы воспевают прибытие их создателя. Существует всё связующее равновесие, которое позволяет всем существам получить опыт божественного единства. Ощутив прилив творческой энергии, я бегу к себе в студию, обмакиваю кисть в краску и позволяю ей свободно перемещаться по холсту.
Мои картины вдохновляющи, ибо дают возможность зрителю получить опыт созерцания и познания бесконечности. Они не являются абстрактными, поскольку представляют то, что, на самом деле, более реально, нежели видимое физическим зрением. Они позволяют зрителю вдохновиться за счет собственного восприятия, выводящего его за пределы привычных чувств и окружения.
"Связь" – наиболее важный аспект моей работы. Я считаю, что мечты и реальность сосуществуют в этом мире. Свет и тень, природа и идеи, технологии и чувства, фактическое и воображаемое – существуют одновременно. Мое искусство расширяет метафизические и экспрессивные идеи, которые я извлек из ближневосточного мистицизма: исследование взаимосвязи внутренних и внешних вселенных.
Все вещи связаны в космической паутине. Для меня взаимосвязи и взаимодействия между частями целого более важны, чем сами части. Вот почему я люблю писать движение без перемещающихся объектов, действие без игроков и танец без танцоров.
Я работаю интуитивно. Когда я пишу, я бездумен, но отдаю себе отчет в том, что делаю. Я чувствую, что мой вечно сущий внутри меня выражает не известное моему уму. Я хотел бы поделиться своим чувством радости и изобилия с другими. Я хотел бы показать преданность и любовь и все другие радости мира в их наиболее привлекательном и бесконечном аспекте".
]]>(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6111601
Тибетский ангел, охраняющий луну
Антихаос в истории космоса
Ангелы, охраняющие веру
Три прекрасных свидетеля рождения новой музыки
Портрет Софи Лорен
Бог нефти
Ум и красота. Вариации
Благословение рыцаря ангелом печали
Утопическое представление о парикмахерской
Бумажные люди
Утреннее прощание, предсказанное Нострадамусом
Ангелы, покидающие историю
Пик красоты
Утро искусства, охраняемое каменным львом
Утро
Ангелы дверей, оберегающие историю Англии
Царская фамилия
Ангел, охраняющий нашу Землю
Человек-стихия
Ангел, льющий воду
Утро
Ангел Храма
Что есть истина Спор Пилата с Иешуа
Ангел воды
Абракадабра, или посвященный на коне
В память Александра Македонского
Слезы китайской стены
Ангел, ожидающий приезда поезда
Сундук желаний
Шар на удачу
В недалеком будущем. Робот-серфингист
Театр истории. Вильнюс. Храм святой Анны
В ночь перед Рождествоем с духами воды где-то в Риме
Театр истории город Петра или дом Саломеи
Венецианская ночь перед карнавалом
Театр в женском обличьи
Весна и все вокруг Эйфелевой башни
Волшебный шар над озером Севан
Вечер поэта на фоне воды
Призрачная женщина
Взгляд сквозь руки
Тайное благословление во время проповеди вольных яйцеголовых каменщиков
Взрыв эмоций на фоне сна или Рождение шара
Призрак королевы Элизабет, встреченный недалеко от ее замка
Тайная мистическая жизнь святой Елизаветы
История невесты охотника, ушедшего 100 лет назад
Тайная вечеря яйцеголовых
Из истории средних веков. Встреча магов
Строительство деревянной мадонны во время солнечного затмения
Волшебный взгляд ночи из глубины зеленого сада
Стремление или праздник вокруг нас
Воспоминание об Европе
Средневековая живая книга, благословленная Господом
Спящее лицо над храмом в воде
Воспоминания бабочек об Эль Греко или Личная история Одри Тоту
Спускающиеся в рай по золотой лестнице
Воспоминания моего детства при чтении Конан Дойля
Собака, охраняющая историю
Воспоминания о королеве Англии. Храни ее Бог
Симфония отдыха во время игры в гольф
Воспоминания о личности с учетом яйцеобразного состояния (Пиджаки)
Цветы для Леонардо
Встреча духа Барбары с хранителем своего замка Сигизмундом-Августом 10 лет спустя
Свобода полета, выстраданная неволей
Высокие мечты. Русалка
Романтический взгляд на Петербург во время летнего сна
Героиня Дюма, провожающая почтового голубя
Рожденные спортом
Рождение
Две протянутые руки в интерьере
Двое
Благословенная роза в бумажном воспоминании моего детства
Двойное пространство в Венеции
Девушка в черной раме на черном фоне с окном на теле, которое является переходом в другое измерение
Девушка и море
Девушка и ткани или праздник цвета
Девушка с глазами, где отражается небо
Девушка с маской на плоту желаний
Девушка с шаром на фоне каменного льва
Девушка - саксофон
Девушка, освещенная светом, на Тибете
День и ночь
Дом, где живет время
Древо истории памятников Санкт-Петербурга
Женщина-цветы
Живая вода
Забытые ворота в рай, охраняемые рыцарями
Где-то в России
Загадки природы
Загадочный лес желаний
Вечер или дорога к дому
Замок в поле или явление небесного города рыцарю удачи
Жизнь в Антлантиде продолжается
Где-то над Атлантидой
Идущий по канату мимо истории
Из жизни Русалочки
Из истории гольфа. Дети и шары
История замка, наполненная звуками флейты
Идеалистическое восприятие входа в храм
Каменный портрет в парике
Собор Василия Блаженного (венчание)
В мастерской художника
Кисти под вуалью
Королевство кривых зеркал на фоне девушки в красном
Каменное изваяние в открытом пространстве
Куртуазная любовь во времена Артура
Легкость бытия или Лев перед прыжком
Лесной сон
Летний сон перед грозой при посещении таинственного дома
Лондон, как праздник
Луна, освещающая камни
Магические часы
Магия шара или присутствие удачи
Мадонна как бабочка
Место, где ночует Луна
Мой детский сон о библиотеке в Константинополе
Моника Белуччи
Надежда есть. Она в конце этого леса
Начало
Неумолимая легкость бытия во время явления плащаницы
Ночная жизнь в замке
Ночная красавица на фоне Парижа или Катрин Денев в образе
Ночь Христа перед... Раздумья.
Ночь
Отражение Мэрилин Монро в лучах заходящего солнца
Очищение глубокой старины
Пеед Пасхой. Ночное явление Святителя
Фортуна
Подготовка нитей для строительства ткани
Посещение ангела вина
Посещение ангелом храма Господня
Праздник света в конце жизни
Посещение ангелом храма Рождества Христова в Вифлееме
Портрет Путина
Прелюдия на тему свободы или кентавр
Продолжение сказки Свифта
Прощай, Россия!
Текущее время параллельного мира в зеленой долине во время солнцестояния
Портрет Алена Делона
Сон о воде на фоне замка или вода и камень имеют память
Таинственное представление о средневековье (Средневековый замок в тумане)
Сон облака
Родился 8 апреля 1956 года в городе Ульяновске. Отец – Сафронов Степан Григорьевич (1910г.рожд.). Мать – Сафронова Анна Федоровна (1920г.рожд.), уроженка города Паневежис, отсюда литовское имя сына – Никас.
По окончании 8-го класса поехал в Одессу поступать в мореходное училище. Проучился в мореходке год, затем уехал в Ростов-на-Дону, где с 1973 по 1975 год учился в художественном училище. Одновременно работал в Ростовском ТЮЗе художником-бутафором, подрабатывал сторожем, дворником и грузчиком. Из училища был призван в армию, служил в Эстонии, в городе Валга.
После армейской службы уехал в Литву, в Паневежис, на родину матери, где некоторое время работал художником в театре Донатаса Баниониса и параллельно работал на льнокомбинате художником по тканям. Затем Никас Сафронов переехал в Вильнюс, где с 1978 по 1982 годы учился в художественном институте (ныне Академия художеств).
В 1978 году в Паневежисе прошла первая персональная выставка Никаса Сафронова. В том же году одна из его картин вошла в число двух отобранных на международную художественную выставку парижском Центре Помпиду. В 1980 году прошла персональная выставка художника в Вильнюсе.
В 1983 году Никас Сафронов переехал в Москву.
В 1984 году Никас Сафронов принял участие в Международной художественной эротической выставке вТокио, в 1986 году – в Международной художественной эротической выставке в Милане, в 1987 и 1988 года – в выставках во Франции и Канаде. В 1990 году наряду с произведениями 13 других ведущих художников разных стран картины Никаса Сафронова вошли в книгу “Ведущие художники мира, работающие в стиле «Ню”, изданную во Франции.
В 1992–1994 годах он являлся арт-директором, а с 2000 года – главным художником русского издания журнала “Пентхауз”, консультантом и оформителем научного журнала “Аура-Зет”, журналов “Дипломат” и “Мир звезд”, арт-директор журнала «Америка» и «МОНОЛИТ-дайджест», главным художником журнала «Москва и москвичи».
Окончил факультет дизайна Московского художественного института им. Сурикова, и факультет психологии московского государственного университета технологий и управления.
В 1995 году с большим успехом прошла его выставка в Стамбуле, в 1996 году – персональные выставки в Академии художеств (Москва), в музее Марка Шагала в Витебске и в Бергамо, в 1998 году – в Национальном музее Баку. С этого времени Никас Сафронов регулярно выставляется в государственных музеях в Москве, Санкт-Петербурге, Одессе, Витебске, Саратове, Екатеринбурге, Выборге, Геленджике, Сочи, Краснодаре, Барселоне, Цюрихе, Нью-Йорке, Лондоне, Риге, Антверпене.
Сегодня основная часть работ художника находятся в частных собраниях и музеях России и Европы. Западными коллекционерами куплено более 800 его картин. Среди владельцев его картин такие звезды, как Софи Лорен, Ален Делон, Жан-Поль Бельмондо, Пьер Карден, Дайана Росс, Монтсеррат Кабалье, Мадонна, Михаил Горбачев, Никита Михалков.
Он писал портреты президента России Дмитрия Медведева, председателя правительства Российской Федерации Владимира Путина, экс-президента СССР Михаила Горбачева, президента Турции Сулеймана Демиреля, президента Азербайджана Гейдара Алиева, президента Туркмении Сапармурата Ниязова, президента Украины Леонида Даниловича Кучмы, Президентов США Буша – старшего и Буша – младшего, короля Испании Хуана Карлоса, короля Иордании, короля Брунея и еще 15 президентов,а также мэра Москвы Юрия Лужкова, Муслима Магомаева, Аллы Пугачевой, Мстислава Ростроповича, Софи Лорен, Хулио Иглесиаса, Дайаны Росс, Монтсеррат Кабалье, Паваротти, Джека Николсона, Стинга, Элтона Джона, Мика Джаггера, Стивена Сигала, Ричарда Гира, Пьера Ришара, Жана-Поля Бельмондо, Анни Жирардо, Майка Тайсона, Клинта Иствуда, Дэвида Боуи, Роберта де Ниро, Криса де Бурга, Элизабет Тейлор, Стивена Спилберга, Тины Тернер, Мадонны, Леонардо ди Каприо и многих других зарубежных и отечественных звезд.
Диапазон творчества Никаса Сафронова широк – и иконопись, и кубизм, и символизм, и психологические портреты. Многие его работы строятся на глубоких метафорах и своей, присущей автору, системе символов.
Никас Сафронов является профессором Ульяновского университета (филиала МГУ), академиком Международной академии творчества и почетным доктором Азербайджанского государственного университета культуры и искусств, член корреспондент Российской академии искусств, действительный член Академии РАЕН, с 2006 г. – действительный член королевской академии культуры, образования и искусства при ООН.
Деятельность Никаса Сафронова отмечена Золотой медалью Американской академии наук и искусств, Международным орденом Святого Конcтантина Великого, орденом Святого Станислава и орденом святой Анны II степени, Патриархом Московским и Всея Руси Никас награжден Орденом Русской православной церкви Преподобного Серафима Саровского III степени, Орденом “Служение искусству” 1 степени (“Золотая Звезда”) почетным званием “Рыцарь науки и искусств” РАН.
Он является Почетным гражданином городов Ульяновска и Баку, с 2008 года – Почетным гражданином России. В октябре 1996 года именем Никаса Сафронова названа открытая учеными из США звезда в созвездии Андромеды.
В 2001 году Никас получил благодарность и золотые часы от президента России Владимира Путина “За большой вклад в становление российской экономики, творческий подход и самоотдачу при исполнении заданий Правительства Российской Федерации, за успехи во благо Отечества”. В 2003 году Никас Сафронов стал лауреатом премии имени Михаила Ломоносова в области науки, образования, культуры и искусства, в 2004 году -вошел в “Летопись славных имен и деяний во имя России”, награжден орденом “Во имя России” и золотым наградным оружием. Международный Биографический Центр Кэмбриджа называет Никаса Сафронова “Лучшим международным художником 2004 года” и присуждает ему почетное звание “Живая Легенда”, американский Биографический институт присуждает ему звание “Человек года 2004” с последующим включением его имени в энциклопедию “Ведущих интеллектуалов мира”, в 2005 году его имя появляется в Мировой книге Знаний и за выдающийся вклад в современное искусство Никас награждается “Алмазом Да Винчи”.
Илья Глазунов: “…Он обладает огромной фантазией и неземной творческой энергией. Мне думается, что его душа поражена бытием ХХ века, соединив поиск Бога и кощунство, веру и безволие, романтизм и жесткий взгляд на моду…”.
Официальный сайт http://www.nikas-s.ru/
(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6109851
Сирин и Алконост. Песнь радости и печали
Ковер-самолет
Царевна-Несмеяна
Аленушка
Три царевны подземного царства
Ангел с лампой
Царевна-Лягушка
Баба Яга
Баян
Спящая царевна
Блаженство рая
Снегурочка
Богатыри на конях
Ковер-самолет
Богатыри
Богатырский скок
Кащей Бессмертный
Искушение Евы Змием
Бой Добрыни Никитича с семиглавым Змеем Горынычем
Иван-Царевич на Сером Волке
Варяги
Иван-царевич и Лебедь
Гусляры
Витязь на распутье
Прощание Олега с конем. Иллюстрация к “Песни о вещем Олеге” А.С.Пушкина
Встреча Олега с кудесником
Гамаюн - птица вещая
Васнецов Виктор Михайлович (Viktor Mikhailovich Vasnetsov, 1848–1926), великий русский художник, один из основоположников русского модерна в его национально-романтическом варианте.
Родился в селе Лопьял (Вятская губерния) 3 (15) мая 1848 в семье священника. Учился в духовной семинарии в Вятке (1862–1867), затем в рисовальной школе при Обществе поощрения художеств в Петербурге (где наставником Васнецова был Иван Николаевич Крамской) и в петербургской Академии художеств (1868–1875).
Васнецов - основоположник особого «русского стиля» внутри общеевропейского символизма и модерна. Живописец Васнецов преобразовал русский исторический жанр, соединив мотивы средневековья с волнующей атмосферой поэтической легенды или сказки; впрочем, и сами сказки зачастую становятся у него темами больших полотен. Среди этих живописных былин и сказок Васнецова – картины "Витязь на распутье" (1878, Русский музей, Санкт-Петербург), "После побоища Игоря Святославича с половцами" (по мотивам сказания "Слово о полку Игореве", 1880), "Аленушка" (1881),"Три богатыря" (1898), "Царь Иван Васильевич Грозный" (1897; все картины – в Третьяковской галерее). Некоторые из этих произведений ("Три царевны подземного царства", 1881, там же) представляют уже типичные для модерна декоративные картины-панно, переносящие зрителя в мир грез. Для своей картины "Аленушка" художник долго не мог найти модель. Ни одна из девочек, по мнению художника, не походила на ту сказочную сестрицу Иванушки, которую он так ясно представлял себе. Но однажды художник понял, что у его героини должны быть глаза Верочки Мамонтовой (той самой, с которой Серов писал свою «Девочку с персиками»). И он тут же переписал лицо заново, попросив девочку хотя бы полчаса посидеть перед ним неподвижно.
Мастером декоративной живописи Васнецов проявил себя в панно «Каменный век» (1883-85), написанном для московского Исторического музея, изобразив на нем древних предков славян. Но самым крупным его свершением в области монументального искусства явились росписи киевского Владимирского собора (1885-96); стремясь по возможности обновить византийские каноны, художник вносит в религиозные образы лирическое, личностное начало, обрамляет их фольклорным орнаментом.
Самобытен вклад Васнецова также в историю архитектуры и дизайна. В русском стиле он видел не просто предлог для подражания старине, но и почву для воспроизведения таких свойств древнерусского зодчества, как органическая, «растительная» целостность и декоративное богатство форм. По его эскизам в Абрамцеве были выстроены церковь в духе средневековой псковско-новгородской традиции (1881-82) и шутливо-сказочная «Избушка на курьих ножках» (1883). Им была также разработана декоративная композиция фасада Третьяковской галереи (1906) с гербом Москвы (св. Георгий, побеждающий дракона) в центре.
После 1917 художник ушел целиком в сказочную тему, о чем красноречиво свидетельствуют заглавия последних крупных полотен: «Спящая Царевна», «Царевна-Лягушка», «Кащей Бессмертный», «Царевна Несмеяна», «Сивка-Бурка», «Баба-Яга», «Три царевны подземного царства», «Сирин и Алконост»... Он существовал на пенсию, предоставленную ему, как заслуженному художнику, советской властью, которой он, в свою очередь, вынужден был продать дом, являющийся теперь домом-музеем. В горнице этого дома и по сей день стоит богатырский дубовый стол с изображение огромного Двуглавого Орла во всю ширь, который ярко иллюстрирует масштаб и дух васнецовского монархизма. Значение Васнецова для развития творческой стихии русского монархизма трудно переоценить. Именно на его картинах воспитывалось поколение будущих теоретиков русского самодержавия (И. А. Ильин, П. А. Флоренский). Именно Васнецов дал начало национальной школе в русской живописи (М. Нестеров, П. Корин, И. Билибин). Черно-белые открытки с изображениями картин Васнецова, миллионными тиражами издававшиеся в годы Первой мировой войны, способствовали высокому патриотическому подъему русского духа. Не менее велико было влияние художника и на советское искусство и культуру, именно в васнецовские буденновки (или как они первоначально назывались — богатырки), разработанные художником для одного-единственного праздничного парада царской армии, в силу особого стечения обстоятельств стали формой той армии, которая в 1918-1922 восстановила единство страны и дала отпор иностранной интервенции.
Скончался Васнецов в Москве в своей мастерской, работая над портретом художника М. В. Нестерова.
Младший брат знаменитого Виктора Васнецова, известный гораздо менее, Апполинарий Васнецов также был художником - отнюдь не был его робкой тенью, а обладал вполне самобытным дарованием. Превосходный мастер-пейзажист, А. М. Васнецов прославился как знаток и вдохновенный поэт старой Москвы. Редко кто, однажды увидев, не запомнит его картины, акварели, рисунки, воссоздающие волнующе сказочный и вместе с тем столь убеждающе реальный образ древней русской столицы.
В 1900 году Апполинарий Васнецов стал академиком петербургской Академии художеств, затем руководил пейзажным классом Московского училища живописи, ваяния и зодчества, а с 1918 году возглавлял Комиссию по изучению старой Москвы и проводил археологические исследования при земляных работах в центральной части города.
Внук Виктора Васнецова, Андрей Васнецов, тоже стал художником, впоследствии - основоположником так называемого "сурового стиля". В 1988—1992 гг. Андрей Васнецов был председателем Союза художников СССР, деействительным членом Российской Академии художеств, с 1998 — член Президиума. Был почётным председателем Фонда Васнецовых.
]]>(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6111383
Внимание! При наведении на картину появляется описание кода!
Третья волна
Переход
Контакт
Общение
Иллюзия
Целостность
Смирение
Освобождение
Просветление
Мудрость
Осознанность
Связь
Верность
Открытость
Намерение
Дуальность
Равновесие
Исцеление
Прощение
Частота
Выход
Временной сдвиг
Подтверждение
Высвобождение
Признание
Жизненный план
Благодарность
Воспоминание
Изобилие
Обретение силы
Уверенность
Самоуважение
Терпение
Безусловная любовь
Бесконечность
Баланс
Возрождение
Страсть
Доверие
Интуиция
Манифестация
Поворотная точка
Превращение
Свобода
Синхронность
Созидание
Утешение
Новорожденное время
Сопротивление
Осознание
Противоположности
Янош - всемирно известный художник, находящийся в контакте с арктурианской цивилизацией. Его идея заключается в том, что каждый из кругов несет определенную информацию нам, жителям Земли. Янош утверждает, что арктурианцы передают ему скрытое значение кругов на полях. И Янош рисует эти круги в виде завораживающих, необыкновенных картин с глубочайшим философским подтекстом.
В 2003 году Янош приступил к созданию предметы цифрового геометрического искусства. Годом позже в Амстердаме открыла свои двери для посетителей галерея «Janosh Art + Design», а по прошествии небольшого времени увидела свет первая мультимедийная презентация, основанная на геометрии во всем множестве форм ее проявления (включая каменные круги, пирамиды и круги на полях). Эта уникальная презентация – в которой используются текст, музыка и изображения, проецируемые на большой экран – вдохновляет людей на то, чтобы превратить свою мечту в реальность, обретя большее осознание силы своих мыслей и намерений. Вскоре Янош получил приглашения выступить со своей презентацией как у себя на родине, так и в других странах. Он создал еще несколько мультимедийных презентаций, которые получили высокое признание, благодаря их экстраординарной и мощной по воздействию на зрителя концепции. Журнал «Cosmopolitan» нарек его в 2005 году «следующим Энди Уорхоллом» за его провидческое искусство. В августе 2006 года и мае 2007 года Янош стал первым голландским художником, приглашенным в ООН для того, чтобы выступить со своей презентацией сотрудникам и персоналу этой организации в ее штаб-квартире в Нью-Йорке. В прошедшие годы он совершил турне в Канаде, США, Швейцарии, Испании, Польше, Англии и Австралии.
Янош говорит, что каждая фигура, появляющаяся на поле, содержит некий свой код, который воздействует на определенную часть человеческого подсознания. Работать с картинами Яноша нужно, выбирая ту картину, которая притягивает Вас в данный момент, и медитировать на ней. Картины Яноша имеют ту же природу, что и мандалы. Они будут поддерживать Вас в осознании Ваших персональных целей и способствовать процессам изменения.
Используйте их, чтобы найти ответы на любые специфические вопросы, которые возникают в Вашей жизни.
Янош рассказывает следующее.
Сакральная геометрия - тот язык, на котором говорит наша душа. Быть отвергнутым - это комплимент! Мы здесь, чтобы обучать друг друга. Мы растем друг от друга. Если кто-то отвергает Вас, это значит, что Вы затронули этого человека. Это не Ваша ответственность, как этот человек будет справляться с этим дальше.
Вот что говорит Янош о своих картинах в интервью радиостанции "Серебряный дождь":
- Как вы относитесь к тому, что ваши картины действительно можно свободно взять и посмотреть и в интернете?
- Они бесплатные. Я делаю то, что существует на самом деле – сакральную геометрию. Поэтому я не могу правообладать ею, я просто транслирую, как я это ощущаю. Они свободны, в свободном доступе. Я хочу вдохновить людей, чтобы они вдохновились. И это все в порядке.
- А любой, например, я, могу нарисовать картину?
- Можете.
- Сама свою, для себя, как почувствую?
- Да.
- А какая для этого должна быть программа на компьютере?
- «Фотошоп».
Официальный сайт Яноша http://www.the-arcturians.com/
]]>(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6111514
Carved In Stone
Making Mountains
Making Waves
Mosaic Moat
Stepping Stones
Roots And Wings
Pulling Strings
Table Top Towers
Performerand Public
A Change Of Scenery
Nocturnal Skating
The Labyrinth
New Moon Eclipsed
The Light Of A Late Night
The Woods Within
Medieval Moonlight
Time Pieces
Tree House In Autumn
Listening Fields
Tributaries
Ladies Lake
Unfin is hed Puzzle
In Search Of Sea
White Blanket
House By The Railroad
Written World
Here Comes The Flood
Alpine Navigation
Flight Plan
Big Air
Canyon
Deluged
Cathedral of Commerce
Community Portrait
Chess Master
Dolls Dreamhouse
Cold Comfort
Fall Color Flies
Castle On The Cliff
Flood Fences
Forthe Birds
High Park Pickets
Light Flurries
Candle Power
Sailing Island
Spring Skiing
Bedtime Aviation
Sweet City
Autumn Architecture
The Chalkboard Universe
The Dancing Wind
Tower of Knowledge
Astral Projections
Widows Walk
Woodland Arena
Acrobatic Engineering
Widows Walk2
Onthe Upswing
Роб Гонсалвес (Rob Gonsalves)— канадский художник, работающий в стиле магического реализма.
Его картины называют, пространственными иллюзиями, оптическим обманом, невероятными картиными...
Роб Гонсалвес родился в цыганской семье Торонто в 1959 году. В детстве он постоянно развивал свой интерес к рисованию. В 12 лет он изучил технику перспектив, и его знание архитектуры позволило ему воплощать придуманные здания, а также начать рисовать свои первые картины.
Познакомившись с творчеством Дали и Танги, Гонсалвес нарисовал свои первые сюрреалистические картины. «Магический реализм» Магритта и Эшера оказал большое влияние на его будущие работы.
В последующие после окончания колледжа годы Гонсалвес работал архитектором, но также рисовал создающие иллюзию реальности фрески и театральные декорации. После удачного выступления на выставке уличного искусства в Торонто в 1990 году Гонсалвес полностью посвятил себя живописи.
Хотя работы Гонсалвеса относят к сюрреализму, они все-таки не полностью выдержаны в этом стиле, потому что его образы всегда четко спланированы и являются результатом осознанной мысли. Идеи, по большей части, генерируются из внешнего мира и основываются на человеческой активности, художник использует тщательно выверенные иллюзионистские приемы. Гонсалвес добавляет волшебства в реальные сцены. В результате, термин «магический реализм» в точности описывает его работы. Его живопись – это попытка продемонстрировать людям, что невозможное возможно.
Многие выдающиеся люди, известные корпорации, посольства, а также сенатор США коллекционируют работы Гонсалвеса и его «лимитед эдишн» постеры. Роб Гонсалвес принимал участие в «Арт Экспо» в Нью-Йорке и Лос-Анжелесе, «Декор» в Атланте и Лас-Вегасе, форуме изящных искусств. Его личные выставки работали в галереях «Дискавери», «Хадсон Риве» и «Калейдоскоп».
В 2003 году издательство Simon & Schuster выпустило его первую книгу с иллюстрациями "Imagine a Night". Вторая была издана в 2005, под названием "Imagine a Day". И третья "Imagine a Place" была выпущена в 2008 году.
Авторский сайт Роба Гонсалвеса www.robgonsalves.com
]]>(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6111584
Goddess of summer
Goddess of sunrise
Fire goddess
Оnce upon a spring time
Wisteri a lake
Lilac meadow
Camoflague
A Place To Dream
Birds of paradise
Blue Goddess
Calla lilies
Cat Power
Cheetahs At Rest
Daffodils
Dancing poppies
Fantasy scape
Fearless
Flirting so sweetly
Flirt withme
Goddess of devine
Goddess of mystery
Goddess of passion
Goldes of Miranda
I Am Eagle
In The Eyes Of A Leopard
Innocence
Iris in moon lite
Jaguar Moon
Land Of Leopards
Lilacs of love
Love among the Poppies
Lupine cottage
Lynx Spirit
Magnolia
Midnight Blue Rendevous
New Life
Peacocks in Paradise
Pansy fantasy
Pink goddess
Pionis in Paradise
Poppies of summer
Protection
Rosefae
Rose manor
Silent Spirit
Six Wild Tigers
Spirit Of The Hawk
Spirit Of The Night
Spirit of the Swan
Spirit of the Tropics
Spirit Of The White Wolf
Spring lilies
Strange Bunnies
Summer wonders
Swan love
Tall poppies
Tea & Roses
The Mighty One
Thirst For Life
Tulips colors of love
Unicorn of the Roses
Vision Of The Unseen
Way Up There
Wild Family
Wild Kisses
WildIn The Moonlite
Кэрол Каваларис (Carol Cavalaris) – фотохудожница из США. Она имеет степень в области Изобразительного искусства, дизайнер интерьеров, график, рекламист, креативный директор, много лет руководила рекламным агенством вместе с мужем. Она пишет беллетристику, и издала 2 романа. Ее муж был музыкантом, и они вместе писали песни и записывали их в своей студии цифровой записи, изучали цифровую фотографию.
Муж Кэрол Каваларис внезапно умер от остановки сердца, и художница потеряла родственную душу. Несмотря на это, она решила остаться жить в их доме в горах, Маунтин-Хоуме, и продолжает заниматься цифровой фотографией и музыкой, устраивает дома концерты. Сейчас Кэрол Каваларис принадлежит интернет-издательство Innerworld Publishing. Она издает и продает цифровые художественные, трехмерные продукты, электронные книги, и музыку.
Вот что говорит она сама:
- … Теперь монитор - мой холст. Я обожаю природу во всей ее красоте, комбинирую фотоисточники и методы, чтобы создать мое смешанное среднее искусство, которое я называю «оживляюшее искусство». Цвет - моя страсть, и красота создания оживляет меня, и, надеюсь, других, которые рассматривают мою работу. Каждая картина, которую я создаю, приходит из моего сердца, и я всегда стремлюсь захватить истинную сущность животного, или цветка, или сцены. Я также пишу стихи для каждой своей работы, это для меня тоже средство самовыражения … Созидание, обучение и рост мастерства поддержало радость и значение моей жизни, и теперь это - моя страсть, - принести оживляющую красоту другим через мое искусство, письмо, и музыку!
Авторский сайт Кэрол Каваларис http://www.romanceworks.com/
]]>Dozensof Daisies
Window Of Dreams
Summer Thunder
Snow Adventure
Shirley Temple
My Secret Garden
Morning Discovery
Little Fisherman
Golden Harvest
Winter Angel
Tender Hearts
Summer Suds
Small Wonder
For You
For Laurie
Harp Song
Easter Morning
Quiet Time
Brothery Love
Beach Break
Mother`s Angels
Sunny Surprise
Ribbonsand Roses
Summers Child
Meadow Magic
Tender Moment
Summer Lake
Twilight Prayer
Sabinainthe Grass
A Christmas Prayer
Spring Innocence
Tender Beginning
Daddys Home
Country Walk
Cat Nap
Colorsof Spring
Rainy Day Pals
Flowersfor Mother
First Kiss
Day Dreamer
Touching the Sky
Grandma and Grandpa
Дональд Золан - художник в пятом поколении, он начал рисовать с трех лет. До пяти лет он работал в акварели и побеждал в детских конкурсах. В тринадцать лет он выиграл крупный конкурс за который получил стипендию для обучения в престижном институте искусств в Чикаго.
В шестнадцать выиграл стипендию Американской академии изящных искусств в Чикаго. П
осле окончания которого работал иллюстратором. Наконец, он основал свою собственную галерею в Nantucket.
Но самые любимые всеми его произведения - картины с детьми, в которых он отражает свои детские впечатления о его счастливом детстве: "Я люблю маленьких детей, как загораются их глаза, с волнением, как они пробуждаются к окружающему их миру. Это чудесное время жизни, заполненое удивлением. Время, когда каждое новое открытие является магическим моментом ".
Офиициальный сайт http://www.zolan.com
ЗНАКИ ЗОДИАКА
Овен
Телец
Близнецы
Рак
Лев
Дева
Весы
Скорпион
Стрелец
Козерог
Водолей
Рыбы
КАРТИНЫ
Time flies
Winged vision
Alternative
Andromeda
Astral voyage
Atlantis
Blue moon
Breath gaia
Bridge hope
Bubble flower
Bubble world
Butterfly
Bygone
Child universe
Comber fairy
Daughter deep
Doorway stars
Discovery
Earth angel
Enchanted flute
Enchantment
Fantasy blue
Fantasy wedding
Fantasy
Flora
Freedom1
Guardian angel
Gypsy moth
Heart soul
Ice & fire
Key eternity
Lady lake
Lady unicorn
Lynx
Millenium tree
Minervas
Nautilus
Oak fairy
Psyches
Rainbow girl 2
Reflections of winter
Seasons life
Shared
Spirit winter
Sprrit flight
Surfers dream
Surprise visitors
Sweet synergy
Tigermoth
Twiling angel
Undine
Untold srory
Up and away
Whispers
Wood nymph
Aquarius
Dance_of_dreams
Horizons
Prelude
Wisteria moon
Med catching wishes
Med titania2
Med vision seeker
Жозефина родилась в мае 1947 года в небольшом английском городке Фарнхэм в семье профессора-филолога. Живопись рано вошл а в её жизнь, уже с четырех лет любимым занятием девочки было рисование. Она и теперь любит вспоминать, какой испытала восторг и счастье, когда в детстве ей подарили большую коробку восковых мелков. Родители поддерживали увлечение девочки живописью, которой она рано начала заниматься профессионально. Уже в 16 лет Ж озефина продала свою первую картину. Не каждый начинающий художник может похвастаться столь успешным стартом.
Художественное образование Уолл получила в Борнмутском колледже, который окончила в 1967 году. Еще в период учебы она стала выставлять свои работы (в основном это были пейзажи) в местных галереях. Известность пришла к ней, когда она после колледжа занималась дизайном и росписью керамики, а также создавала небольшие скульптурные композиции с мифологическими существами, животными и насекомыми. Первые её работы, появившиеся на выставке в Лондоне в 1968 году, привлекли внимание публики своеобразием пластики и яркостью красок, а ведь это были всего лишь небольшие бабочки и стрекозы.
Первые работы Жозефины Уолл Молодая художница попробовала свои силы в дизайне, росписи одежды и обуви, создании красочных витражей и росписи по стеклу. Её работы с успехом экспонировались в Англии, а в 1974 году были представлены на выставках в Токио и Тегеране. В следующем году у Жозефины Уолл в Суиндоне прошла первая персональная выставка. Вскоре выставки стали проходить регулярно, а издательства стали заключать с Жозефиной договоры на репродуцирование её картин и издание альбомов.
Художница образно разделяет свои живописные работы на несколько «миров»: «Мир воздуха и воды», «Мир фей», «Мир богинь», «Сюрреальный мир», « «Знаки Зодиака»» .
Картины Жозефины Уолл завораживают. Она создает целые миры, которые не устаешь узнавать и разглядывать — чем больше всматриваешься, тем больше находишь нового и необыкновенного. Добрые и светлые, они оставляют ощущения волшебного сна, сказки, потрясающей и фантастичной. Ее картины несут с собой в наш мир радость и тепло.
Художница помогает смотреть на мир другими глазами, соединяет реальность и иллюзию, пробуждает воображение и фантазии давно забытых детских снов. Она и сама живет в сказке, превратив свой дом и окружающий его сад в место, где оживают мифы, а воздух наполнен ароматами цветов. В доме, который Жозефина с мужем приобрели на юге Англии в графстве Дорсет, все способствует творчеству. С холма, на котором расположен дом, открывается прекрасный вид на лес, поля и зеленые холмы, долетающий с моря ветерок разносит аромат цветущей глицинии, буквально обвивающей все здание. Жозефина говорит, что этой глицинии уже более 70 лет, поэтому и свое жилище она назвала «Дом глицинии». Работает художница в большой мастерской-студии с деревянным пирамидальным потолком и громадными французскими окнами. Из студии можно выйти на большой балкон, с которого широкая лестница ведет прямо в сад.Как же радуются её внуки (их восемь от троих детей), попадая в сказочный мир любимой бабушкой!
Уолл говорит, что любит работать не спеша, затрачивая на картину 2-3 недели (100-150 часов) и обычно не начиная новое полотно, пока не сделан последний мазок на предыдущем. При этом она руководствуется не только свободным полетом фантазии, но скрупулезным изучением того, что собирается написать, особенно, если это сцена из древней мифологииили легенд.
Жозефина Уолл не отделяет себя от персонажей своих картин.
Жозефина считает, что художник, живущий в окружении прекрасной природы, не может не быть своеобразным каналом, по которому Мать-земля передает свою энергию людям, помогая им понять не только очарование, но и хрупкость мира, который нас окружает. Поэтому своим творчеством она стремится пробудить в людях желание «сделать все возможное, чтобы защитить нашу драгоценную и красивую планету, и излечить ущерб, который мы ей уже причинили».
]]>mp-3 плейер
(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6111373
Озеро в Вилабертране (1920)
Скалы на побережье Льянэ (1926)
Мрачная игра (1929)
Сюрреалистическая композиция (1928)
Незримые лев, конь и спящая женщина (1930)
Рука (1930)
Постоянство памяти (1931)
Головокружение (1931)
Тревожный знак (1934)
Явление моей кузины Каролинеты на побережье в Росасе (Плавно надвигающееся предчувствие) (1933)
Астральный параноический образ (1934)
Женщина с головой из роз (1935)
Явление города Делфта (1935-1936)
Белое безмолвие (1936)
Геологическое правосудие (1936)
Медиумически-параноический мотив (1935)
Леди Луис Маунтбеттен (1940)
Археологический отголосок Анжелюса Милле (1935)
Сон (1937)
Лебеди, отражённые в слонах (1937)
Явление лица и вазы с Фруктами на берегу моря (1938)
Беконечная загадка (1938)
Исчезающие образы (1938)
Африканские впечатления (1938)
Телефон на тарелке с тремя жареными сардинами в конце сентября (1939)
Овцы (1942)
Тристан и Изольда (1944)
Сон, навеянный полётом пчелы вокруг граната, за миг до пробуждения (1943)
Галарина (1944-1945)
Искушение святого Антония (1946)
Атомная Леда (Leda Atomica) (1949)
Христос святого Хуана де ля Крус (1951)
Assumpta corpuscularia lapislazzulina (1952)
Вид Порт-Льигата с Ангелом-хранителем и рыбаками (1950)
Я в возрасте шести лет, когда я верю, что стал девочкой, а пока с большой осторожностью приподнимаю кожу моря, чтобы рассмотреть собаку, которая спит под сенью воды (1950)
Колосс Родосский (1954)
Тайная вечеря (1955)
Живой натюрморт (1956)
Открытие Америки усилием сна Христофора Колумба (1958-1959)
Рука Дали похищает золотое руно, имеющее форму облака, чтобы показать Гала-зарю, совершенно обнаженную, - там, далеко, очень далеко, по ту сторону солнца (1977)
Дали, повернувшись спиною, пишет портрет Гала, повернувшейся спиною и увековеченной шестью виртуальными роговицами, временно отраженными в шести зеркалах (1977)
В поисках четвертого измерения (Fourth-dimension) 1979 г.
Явление лица Афродиты Книдской на фоне пейзажа (1981)
Жемчужина (Рearl) 1981 г.
Три знаменитые загадки Гала (ЕnigmaGala) (1982)
Дали Сальвадор,(полное имя Сальвадор Фелипе Хасинто Дали-и-Доменеч, Dali y Domenech),(11 мая 1904, Фигуэрас, Каталония — 23 января 1989, там же),испанский живописец, виднейший представитель сюрреализма.
Рисовать стал с юности. В 1924-1926 учится в Мадридской академии Сан-Фернандо, увлекается идеями анархизма, интересуется современными французскими мастерами, прежде всего символистами, а затем фовистами, кубистам и футуристами.
В 1928 переезжает в Париж, в 1929 встречает свою будущую жену — Гала (Елена Дьяконова), ставшую постоянной моделью его картин.
Как некие кадры несостоявшегося фильма, запечатлевающие мир снов и галлюцинаций, воспринимаются такие произведения Дали, как «Великий мастурбатор», «Раскрашенные удовольствия».
Обращаясь к сфере подсознательного, интересуясь эротикой, неосуществленными желаниями, игрой воображения, Дали стремится объективировать видения , дать описание безумия. В навязчиво иллюзионистической манере, призванной убедить зрителя в реальности бредового мира, Дали с необыкновенно изощренной фантазией совмещает объекты совершенно разнородные, сталкивает их друг с другом в противоестественных ситуациях.
Знамениты образы Дали: расплавившиеся часы, телефон-аппарат с трубкой в виде лангуста, диван-губы, рояль, свисающий словно драпировка, и другие. Использует он и прием «исчезающих образов», которые как бы растворяются в окружающем пространстве. Популярность художника растет, выставки устраиваются одна за другой.
Вскоре Дали порывает с парижской группировкой сюрреалистов, объявив себя единственным истинным представителем этого движения и в 1940 уезжает в США. Среди известных картин этого времени — «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» — своеобразная иллюстрация к фрейдизму. Дань атомной «моде» отдана в таких композициях, как «Атомная Леда» и в попытке создать Институт по изучению атомной бомбы в отношении искусства.
В 1948 возвращается в родной Фигуэрас, хотя временами наезжает в США.
После возвращения домой Дали все более проникается идеями католицизма. Религиозные мотивы, классицистическая композиция, подражание технике старых мастеров характерны для таких его картин 1950-х гг., как «Мадонна порта Льигат», «Христос св. Ионна на кресте», «Тайная вечеря», «Открытие Америки, или Мечта Христофора Колумба».
В последние годы Дали часто обращается к фотографии. Он читает лекции, выпускает книги, посвященные себе и своему искусству, в которых безудержно восхваляет свой талант («Дневник одного гения», «Дали по Дали», «Золотая книга Дали», «Секретная жизнь Сальвадора Дали»).
Он всегда отличался причудливой манерой поведения, постоянно меняя экстравагантные костюмы и фасон усов. В 1974, вложив все свои средства, Дали строит Театр-музей Дали в Фигуэрасе — здание фантастической архитектуры, наполненное картинами и объектами художника.
Здесь он и погиб во время пожара, пребывая в полном одиночестве и не желая покинуть дом...
Высказывания Дали:
Дуракам угодно, чтобы я следовал тем советам, которые я даю другим. Но это невозможно, ведь я же совсем другой.
***
Новую религию можно создать только с благословения банкиров.
***
Врагов я забрасываю цветами - в гробу.
***
Художник думает рисунком.
***
Совершенно очевидно одно - то, что я ненавижу простоту во всех ее формах.
***
Когда я пишу картины, я чувствую себя сумасшедшим. Единственное различие между мною и сумасшедшим в том, что я не сумасшедший.
***
Разница между сюрреалистами и мной заключается в том, что сюрреалист - это я.
***
Не бойся совершенства, тебе его не достичь никогда.
***
Люблю трансатлантические суда. Это роскошные больницы для здоровых людей.
***
В шесть лет я хотел быть Колумбом, в семь - Наполеоном, а потом мои притязания постоянно росли.
***
Я люблю Gala больше матери, больше отца, больше Пикассо и даже больше денег.
]]>(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6109971
Lady of mystery
Вeach of the dreams
Garden Girls
Screen goddess
Wedding
The Mask
Сathedral square havana
Girl With Two Spaniels
Сamille
Вrother-sister-l
Вeach-l
Аscot-people-l
Аscot-girls-l
Аnni-at-the-piano-l
Tying The Ribons
Trilogy
The Masquerade Suite
Symphony In Blue
Swan Maiden
Sunset Stroll
Solitude
Serena
Secrets
Sea Of Light
Satin
Reverie
Reflective Mood
On The Beach
Mother s Love
Maybe Tommorow
Letters In The Sand
Just A Dream
Joy
In A Golden Sea
In A Dress From Manon
Dreams
Days Of Summer
Contemplative Throughts
Champagne Afternoon
Champagne & Silk
Caterina
Carmel
Candlelight & Shadows (Set of 2)
Beach Dreamer
Alexandria
Afternoon Shadows
A Look
A Flower Market In Venice
A Day At the Races
A Clance
Гордон Кинг родился в 1939 г. Его талант ярко проявился еще в детстве - в возрасте семи лет он выиграл несколько художественных выставок. После отъезда из школы он сконцентрировался на фигуративной иллюстрации, обучался в Студиях Карлтона в Лондоне и изучал искусство в университете. В его двадцать лет он стал внештатным иллюстратором, но в середине семидесятых он бросил иллюстрацию, чтобы стать полностью занятым живописцем.
Успех пришел к нему быстро. Его картины девочек в естественной среде скоро стали его торговой маркой и обеспечили популярность его акварелей в начале восьмидесятых вме
сте с успехом его печатных изданий, эти издания с ограниченным тиражом и шелковые трафареты принесли ему ту широкую известность, которую он имеет сегодня. Гордон Кинг - один из самых популярных британских художников-акварелистов, пишущих ошеломляющие оригиналы, и публикующим великолепные печатные издания только ограниченным тиражом. Альбомы с его картинами очень ценятся у истинных коллекцио
неров - поклонников живописи. Он известен прежде всего созданными им женскими образами.
Он был очень активен в поддержке различных благотворительных учреждений, включая проекты для Фонда помощи детям, рисовал перед живой аудиторией для "Нуждающихся детей Би-би-си". Один из его новых проектов - ряд из трех печатных изданий издания с ограниченным тиражом акварельных портретов балерины Дарки Басселл (Darcey Bussell), в помощь Обществу болезни Альцгеймера. Для того, чтобы написать серию картин с Дарки Басселл - знаменитой лондонской балериной, которая была признана Танцором Года в декабре 1990, лауреатом Вечерней Премии Балета в 1990, лауреатом Премии Достижений Cosmopolitan в категории Исполнительных видов искусства, удостоенной ордена Британской империи (ОБЕ) в Списке Почестей, Гордон постоянно посещал Королевский Оперный театр Ковент Гарден, чтобы наблюдать за Darcey не только на представлениях, но и на репетициях "Серенады". Он сделал громадное количество ее набросков и фотографий прежде, чем написать свои знаменитые картины. Издания его картин ограниченным тиражом в 1 000 были кропотливо пронумерованы вручную и индивидуально подписаны и Гордоном Кингом и Дарки Басселл.
В 1995 его первая книга "Роман с Искусством" была издана с предисловием старшей дочери короля. Его картины экспонируются во всем мире и был показаны во многих телевизионных программах, включая BBC2 "Крупный план", Канал 5, "День открытых дверей", и на Спортивных состязаниях Неба на чемпионатах краткого курса PGA.
В 1999 г. к его шестидесятому дню рождения, была издана вторая книга Гордона, "Возвращенная к Жизни". Кроме того, он получил престижную премию от Торговой Гильдии Изобразительного искусства, которая признала его "Художником Года".
Вот как сам Гордон Кинг говорит о себе своей работе:
- Я сентиментален. Всё - романтика, счастье и эмоции могут быть замечены в моих картинах - это может быть позой в балетной студии или волнением карнавала в Венеции, посетителями скачек в Королевском Эскоте, участниками пикника в Регате Henley, или движениями танцора в Королевском Балете. Я всегда ищу что-то специальное, это может быть способ, которым свет падает на лицо, особый взгляд, тени на полу, структура ткани или чувственная драпировка шелка.
Я также люблю море с его когда-либо изменяющимся цветом и постоянным движением. Когда я писал мои картины девочек, меня можно было увидеть по колено в воде, или на влажном песке, пытающимся найти правильное положение, чтобы отразить пляж.
Сад тоже приносит мне много идей для моей работы. Я издавна очарован старыми колесами и статуями, и показывал рядом с девочками множество горшков и цветочных корзин, ворота сада...
В студии, где я работаю с натурщицами, я создаю образы, используя различные драпировки вокруг шезлонга, затем ищу особую позу или форму. Лицо же имеет тенденцию быть фокусом, основным волнующим смыслом, поскольку я прокладываю себе путь через различные особенности в трех измерениях...
]]>(Музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6111486
Waiting for the Vet
Under The Cherry Tree
Three Sisters
The Mischievous Puppy
The Little Kittens
The Flower Garden
The Fancy Bonnet
The Cherry Bonnet
Starlight
Seasons Greetings
Love under the orange trees
La Belle Aux Fleurs
Her Most Precious
Girl Holding a Nest
Fleurs De Cerise (Cherry Blossom)
Country Summer
Country Spring
Beautiful Lady
An Elegant Lady Throwing Snowballs
An Elegant Lady With A Yellow Rose
The Three Graces
The Pink Rose
Among The Blossoms
A Summer Rose
Best Of Friends
Emile Vernon 1872 — 1919 или 1920 - французский художник, хотя есть версия, что Emile Vernon - английская художница. Портретов художника не сохранилось. О нем (о ней) очень мало сведений.
Родился во французском городке Блуа (Blois).
Изучал живопись в мастерской жанрового художника и скульптора Огюста Жозефа Трюфема (1836-1898). Существует мнение, что Вернон учился и у Буже (Bouge).
Затем был учеником отделения изобразительных искусств Университета в г. Туре (des Beaux-Arts de Tours), получившим приз за свои рисунки в 1888 году. Тур (фр. Tours) — город во Франции на реке Луара.
Специализировался Вернон на портретной живописи и жанровых сценах. Особенно популярными являются его портреты молодых девушек и детей. Но, он писал также пейзажи и цветочные натюрморты, сведений о которых, увы!, нет.
В 1898 году он принимает участие в выставке изобразительных искусств в Туре.
В том же году Вернон выставил свои работы в официальном Салоне (Salon des Artistes fransais) в Париже, о чем найдены записи во французских архивах Салона.
Показывать свои работы в Салоне Вернон будет до 1913 года.
В 1899 художник осуществляет оформление (купол и занавес сцены) театра де Шателлье (de Chatellerault) в городе Невер. Невер (фр. Nevers) — город во Франции, главный город французского департамента Ньевр на правом берегу реки Луары. Знаменит остатками старых укреплений, сен-сирским собором XIII—XVI в., церковью св. Стефана XI в. и триумфальными воротами в память битвы при Фонтенуа.
В 1904 году Вернон переезжает в Лондон. Живет он на улице Upstall, 2 в Кембервилле, пригороде Лондона, о чем тоже есть документальное подтверждение. В этом же году Вернон представляет несколько цветочных натюрмортов на выставке в Королевской Академии (the Royal Academy).
В 1910 х Вернон работал и в Лондоне, и в Париже.
Многие его работы находятся в частных коллекциях и стали известны благодаря коллекционерам в США, Канаде и Японии. Поэтому очень часто полотна художника принимают участие в аукционах. Одна из картин Вернона висит в ратуше города Тура.
Умер Вернон в 1919 или начале 1920 года в возрасте 47 лет.
]]>(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6110025
Candle
Treasure Island
Winged Satellite
To The Safe Haven
Акробат
Ананас
Банановая республика
Биг Бен
Вебмастер
Ветер
Ветер1
Взгляд любви
Волшебство музыканта
Восход солнца в океане
Время ползет
Всегда вместе
Всемирное тяготение
Город Солнца
Динозавр
До открытия второго закона тяготения
Дождь
Star Target
Ripples On the Ocean
Red Purse
Wardrobe
One flew over the Wasp's nest
Metamorphosis
Morning Blossom
Arrival of the Flower Ship
Western Passage
PRINCESS CINDERELLA
MOONLIGHT SONATA
METAPHORICAL JOURNEY
LASER TUNE-UP
I SAVED MY SOUL
HORN OF BABEL
FLAMENCO DANCER
Eldorado
Dream Catcher
COMET HALLEY
BIRTH OF LOVE
ATLAS OF WANDER
ABANDONED DWELLINGS
Keys
Invitation for Lunch
Icarus
Heavenly Fruits
Haven
Green Apple
Garden of Eden
Forgotten Sunglasses
Fiery Dance
Fauna in La Mancha
Family Tree
Eye of The Needle
Descent to the Mediterreanean
Current
Above the Sea Level
Иллюзия глаза
Nero
Daisy Games II
Солнечный день
Подсолнух
Кристалл
Contes Erotiques
Chess
Breach
Book of Books
African Sonata
Arrow of Time
Владимир Кущ родился в Москве в 1965 году в небольшом деревянном доме с резными окошками и собственны вишневым садом недалеко от известного московского парка «Сокольники». Отец Владимира – Олег Константинович Кущ – математик, однако вся мужская половина семьи увлекалась рисованием. Не стал исключением и Владимир. Его «карьера» художника начилась в три года, как только мальчик научился держать карандаш, сидя у папы на коленях.
В семь лет, наряду с общеобразовательной школой, Владимир начал пос
ещать и художественную, где задерживался до позднего вечера. Обычные уроки приходилось делать в метро по дороге домой… Художественная школа открыла Владимиру настоящую свободу творчества. Здесь он познакомился с работами великих мастеров Ренессанса, со знаменитыми импрессионистами, с творчеством современных художников. Здесь он почерпнул заряд неиссякаемого вдохновения для своих ранних работ. Здесь написал свою первую сюрреалистическую картину.
В 17 лет Владимир Кущ поступает в Строгановское училище, но уже через год отправляется служить в армию. После шести месяцев «учебки» командир части решил, что наиболее эффективным будет использование молодого бойца исключительно в мирных целях – рисовать агитационные плакаты. Так советская бронетехника стала появляться на фоне романтических, а иногда и фантастических пейзажей. А на айсберге, плывущем посреди океана, наконец появилась ретрансляционная антенна войск связи…
В 1987 году Владимир начинает участвовать в выставках Союза Художников. В 1990 году он, вместе с двумя другими российскими художниками, успешно показывает свои работы в Германии в городе Кобург. По окончании выставки пути художников расходятся: коллеги Владимира возвращаются домой, а сам он летит в противоположном направлении – в Лос Анджелес, где выставляются еще 20 его картин. Так начинается «американская одиссея» Владимира Куща.
Попав на Гавайи, Владимир открыл тот мир, о котором грезил с детства (первая картина маслом изображала гигантскую волну на Гавайях). По его собственным словам, стрелка его компаса всегда указывала на юг. Мечты об экзотических «островах в океане» вдруг стали реальностью и наполнили его палитру невиданными яркими красками и фантастическим колоритом, так не достававшего его картинам. Здесь, на острове Мауи, который и стал его домом, Владимир окончательно сложился как художник. Здесь окончательно сформировался его неповторимый стиль, названный в последствии – «метафорическим реализмом».
Сейчас Владимир Кущ – один из самых известных современных художников Америки. Большой популярностью работы художника пользуются в Японии, где неоднократно проводились выставки-презентации его новых работ.
ОФИЦИАЛЬНЫЙ САЙТ ВЛАДИМИРА КУЩА - http://www.kushfineart.ru/
(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6109820
Небесный бой. 1912. Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург
Восставший сон Востока. 1923 г. Местонахождение - частная коллекция
Медитация. 1923 г.. Местонахождение - частная коллекция, Нью-Йорк
Видение. 1923 г. Местонахождение - частная коллекция
Три стрелы.1923 г. Местонахождение - частная коллекция
Чудо. Серия "Мессия". 1923 г. Местонахождение картины: Государственный музей Востока, Москва
Матерь Мира. Серия "Знамёна Востока". 1924 г. Международный центр-музей им. Н.К.Рериха
Тзонг-Ка-Па. 1924 г. Серия "Знамёна Востока" Местонахождение: частная коллекция
Ясный вечер. 1924 г. Серия "Гималаи" Местонахождение: частная коллекция, Москва
Горы из Сошинга. 1924 г.Из серии "Гималаи" Местонахождение: Международный цент-музей им.Н.Рериха
Превыше гор. 1924 г. Серия "Его Страна" Местонахождение картины: частная коллекция, Москва
Жар-Цвет. 1924 г. Серия "Его Страна" Местонахождение: частная коллекция
Сокровище Мира. 1924 г. Серия "Его Страна" Местонахождение: Музей Николая Рериха, Нью-Йорк
Сжигание тьмы. 1924 г. Серия "Его Страна" Местонахождение: Музей Николая Рериха, Нью-Йорк
Звезда Матери Мира. 1924 г. Серия "Его Страна" Местонахождение: частная коллекция, Россия
Гималаи. 1924 г. Серия "Сикким" Местонахождение: частная коллекция, США
Ступени Гималаев. Серия "Сикким" Местонахождение: частная коллекция, Нью-Йорк
Матерь Турфана. 1924 г. Серия "Сикким" Местонахождение: частная коллекция, США
Будда победитель. 1925 г. Серия "Знамёна Востока" Местонахождение: частная коллекция, Москва
Чаша Христа. 1925 г. Серия "Знамена Востока" Местонахождение: частная коллекция, Москва
Магомет на горе Хира. 1925 г. Серия "Знамена Востока" Местонахождение: частная коллекция, Россия
Моисей водитель. Серия "Знамена Востока" Местонахождение: частная коллекция, Россия
Миларепа услышавший. 1925 г. Серия "Знамёна Востока" Местонахождение: Музей Николая Рериха, Нью-Йорк
Скрещение путей Христа и Будды. 1925 г. Местонахождение: Международный музей Рериха, Москва
Озеро Наг. Серия "Озёра и Гильгитский путь" Местонахождение: частная коллекция
Исток Инда. 1925 г. Местонахождение: Международный музей-центр им. Н.К. Рериха, Москва
Знамена грядущего. Сюита "Майтрейя"1926г.Местонахождение: Нижегородская Государственная художественная галерея
Конь счастья. Сюита "Майтрейя" Нижегородская Государственная художественная галерея
Шёпоты пустынь. Сюита "Майтрейя" 1926 г. Нижегородская Гос-я художественная галерея
Приказ Ригден-Джапо. 1927 г. Местонахождение: частная коллекция, Москва
Весть орла. 1927 г. Местонахождение: Музей Николая Рериха, Нью-Йорк
Агни-Йога. Проект фрески (I) 1928 г. Местонахождение: частная коллекция, США
Агни-Йога. Проект фрески (I) 1928 г. Местонахождение: частная коллекция, США
Сосуд нерасплесканный. 1927 г. Местонахождение: частная коллекция
Чёрная Гоби. 1928 г. Местонахождение: частная коллекция
Буреин-гол. Цайдам 1928 г. Местонахождение: частная коллекция
Перевал Тангла. 1928 г. Местонахождение: частная коллекция
Чудь подземная.1929 г. Местонахождение: частная коллекция
Форт Бхарагарх. Серия "Кулу" 1929 г. Местонахождение: Международный центр-музей Н.К. Рериха, Москва
Ступа в Чунг-тю. 1928 г. Местонахождение: частная коллекция, США
Цайдам. 1929 г. Местонахождение: частная коллекция, США
Эскиз декорации к балету И.Ф.Стравинского "Весна священная" 1929 г.Местонахождение: Музей Н.Рериха
Илья Пророк 1931 г. Местонахождение: Nicholas Roerich Museum, New York
Жанна Д'Арк, Триптих 1931. Коллекция Боллинга, Гранд Хейвен, Мичиган
Архат. 1932 г. Местонахождение картины: Художественный музей г. Аллахабада, Индия
Брахмапутра 1932 г. Местонахождение картины: Государственный художественный музей, Рига, Латвия
Священная Тангла 1932 г. Местонахождение картины: Музей Николая Рериха, Нью-Йорк
Мадонна Орифламма (Червоннопламенная)1932 г. Местонахождение: Музей Николая Рериха, Нью-Йорк
Его тень (Тень Учителя) 1932 г. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва
Звезда героя 1932 г. Местонахождение: Музей индийского искусства, г. Варанаси, Индия
Воин Света 1933 г. Коллекция Стиббе, Гринуич, США
Гималаи. Розовые горы 1933. Музей Н.К.Рериха, Нью-Йорк
Шатровая гора 1933. Музей Н.К.Рериха, Нью-Йорк
Чантанг. Северный Тибет (тибетский стан) 1939. Музей исскуств народов мира
Гималаи (лунный закат) 1940. Музей исскуств народов Востока, Москва
Философ. Тишина. 1940 г. Государственный Музей искусств Востока, Москва
Гесер-хан. 1941 г. Местонахождение: частная коллекция, Москва
Нанда-Деви 1941 г. Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург
Неведомый старик Местонахождение: Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург
Полунощное. 1943. Музей исскуств народов Востока, Москва
Ангел последний 1942. Международный Центр Рерихов, Москва
Борис и Глеб 1943. Музей исскуств народов Востока, Москва
Песнь о Шамбале. 1943 г. Местонахождение: Государственный музей искусства Востока, Москва
Канченджунга. 1944 г. Местонахождение: Государственный Музей Востока, Москва
Горное озеро. Перевал Бара-Лача Местонахождение: Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург
Гималаи 1945 г. Музей искусств народов Востока, Москва
Н.К.Рерих. Клад захороненный 1947. Холст, темпера. 91,4x153,3 см
Огни на Ганге 1947. Международный Центр Рерихов, Москва
Тибет. Музей исскуств народов Востока, Москва
Николай Константинович Рерих - художник-философ, художник-мистик, художник-странник, художник-археолог, художник-литератор.
Творчество Николая Константиновича Рериха - явление исключительное в истории русского и мирового искусства. Его полотна притягательны своеобразием тем и сюжетов, их поэтичностью, глубоким символизмом. Яркая жизнь Рериха подобна удивительной легенде. Начав свой путь в России, пройдя Европу и Америку, он закончил его в Азии. По воспоминаниям художника Святослава Николаевича Рериха об отце, это был человек «с ясным и задумчивым лицом. Его фиолетово-синие глаза временами могли становиться совершенно темными. У него всегда был спокойный голос, он никогда не повышал его, и все выражение его лица отображало ту удивительную выдержку и самообладание, которые являлись основой его характера. Это было спокойствие незаурядного человека, серьезного и приветливого, вдумчивого, с замечательно острым чувством юмора. Во всех его движениях была уравновешенная гармония. Он никогда не спешил, и все же его продуктивность была изумительной. Он писал крупным и ясным почерком, никогда не исправляя и не меняя своих предложений и слов, и менее всего своих мыслей. При всех обстоятельствах, в наиболее трудных положениях он оставался спокойным и выдержанным и никогда не колебался в своих решениях».
Художественное наследие Рериха огромно. Его картины, эскизы декораций, рисунки хранятся в музеях и частных коллекциях многих стран мира. В России крупные собрания произведений Рериха, кроме Третьяковской галереи и Музея искусства народов Востока в Москве, находятся в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге, в Нижегородском художественном музее и в Новосибирской картинной галерее.
Картины Рериха в собрании Третьяковской Галереи представляют основные этапы творческого пути художника. В 1897 году П.М. Третьяков приобрел полотно "Гонец". выставленное на весенней ученической выставке в Академии художеств в Петербурге. Собирателя заинтересовали идеи молодого талантливого художника, его замыслы по созданию большой серии картин, посвященных начальной истории Руси. Третьяков намеревался собрать всю будущую серию, но в 1898 году знаменитого коллекционера не стало, и его пожелание не сбылось полностью.
Несколько картин Рериха затем были приобретены Советом галереи. В разные годы были получены его произведения в дар, приобретены у частных лиц, некоторые из них поступили из Государственного Музейного фонда. В 1949 году Галерея приняла ряд картин Рериха, ранее находившихся в Русском культурно-историческом музее в Праге.
Художник Николай Константинович Рерих родился в Петербурге 10 октября (27 сентября) 1874 года в дворянской семье. Его отец - коренной петербуржец юрист Константин Федорович Рерих (1837-1900), мать - псковитянка Мария Васильевна, урожденная Калашникова (1845-1927). В семье, кроме Николая, было еще трое детей - сестра Людмила и младшие братья Борис и Владимир.
Ранние впечатления детства - дом на Васильевском острове, летние поездки в город Остров Псковской губернии и в загородное имение Извара под Петербургом, рассказы отца и деда о предках старинного скандинавского рода Рерихов, пейзажи Русского Севера - все удивительным образом, словно в фокусе, собралось в душе и памяти будущего художника.
Отец надеялся, что Николай, как старший сын, наследует его профессию, станет юристом, но рано определившееся призвание привело Рериха после окончания гимназии К.И. Мая в 1893 году в стены петербургской Академии художеств. По настоянию отца он, тем не менее, вынужден был одновременно поступить на юридический факультет университета.
В Академии Рерих стал посещать мастерскую А.И. Куинджи. Метод преподавания Куинджи отличался от системы прочих профессоров. Он стремился, прежде всего, развить в своих учениках чувство декоративности цвета. Не отказываясь от работы с натуры, он настаивал на том, чтобы картины писались по памяти. Художник должен был в себе вынашивать образ будущего произведения, продумывать его композицию и цвет. Так когда-то творили византийские и древнерусские иконописцы, старые итальянские и нидерландские мастера, буддийские художники Востока. Именно так Рерих впоследствии писал свои картины, называя их «сочинениями». Он редко делал к ним подготовительные этюды и эскизы.
Изучая древнюю историю, участвуя в археологических раскопках, испытывая постоянное тяготение к природе, живописец стремился дать художественную концепцию «несравненно самобытной былой природы», русского исторического прошлого. Особенно остро Рерих чувствовал «прямую противоположность» природы и современного города: «Город, выросший из природы, угрожает теперь природе, город, созданный человеком, властвует над человеком», - писал он.
Путь к духовному обновлению жизни многие мыслители видели в возвращении к природе. Идеи Руссо приобрели в XIX веке еще больший смысл. В России Лев Толстой звал к «опрощению»; в Индии Махатма Ганди сделал домашнюю прялку символом спасения; во Франции художник Поль Гоген в поисках «первобытного рая» бежал из Европы на остров Таити; в Англии философ Джон Рёскин, идейный вдохновитель художников-прерафаэлитов, требовал, чтобы при сооружении железных дорог сообразовывались с окружающим пейзажем; американские кантианцы-трансценденталисты (Р.У. Эмерсон, Г. Торо, Т. Паркер и другие) связывали свои духовные искания с природой.
Увлечение Рериха Востоком не взялось из «ниоткуда», как иногда пишут. В этом смысле он даже не был оригинален: не шел вразрез со своим временем, не опережал его, а, напротив, вполне соответствовал его духу. На переломе веков Россия переживала увлечение Индией и всем ориентальным. В 1890-1891 годах наследник престола, будущий император Николай II, в сопровождении востоковеда князя Э.Э. Ухтомского посетил многие города Индии и привез оттуда огромную коллекцию предметов буддийского культа. В 1893 году в залах Зимнего дворца была устроена специальная выставка. У 19-летнего Николая Рериха захватывало дух от статуэток будд, маленьких изображений ступ, четок; нетерпеливыми пальцами он перелистывал огромный красочный каталог, описывающий все представленные предметы. От них веяло тайной.
Помимо всего прочего, в начале века России удалось непосредственно познакомиться с индийской философией. Были переведены и изданы «Провозвестие Рамакришны», книги его ученика Вивекананды, Упанишады, «Бхагават-Гита». Индийские метафизические доктрины, их взгляд на космические и исторические циклы захватили Рериха, как захватили многих. Тибет и тибетские чудотворцы были притягательны особо. Как раз появилось несколько книг о культуре и истории Тибета, труды Ухтомского, Потанина, Пржевальского.
К 1911 году, дате строительства в Петербурге первого буддийского храма, интерес Николая Рериха к Востоку сформировался настолько определенно, что он вошел в комитет содействия строительству и тесно общался с посланником далай-ламы XIII - Хамбо Агованом Лобсаном Дорчжиевым. В картинах и очерках Рериха Индия стала появляться все чаще и чаще.
Его крайне интересовал вопрос общих корней России и Азии.
Он подозревал общность между Россией и Азией во всем: в искусстве, верованиях, складе души. Еще в 1895 году Рерих писал в дневнике: «Мне весьма любопытно, было ли на русское искусство два влияния - византийское и западное или было еще и непосредственно восточное? Кое-где нахожу смутные указания на это».
У Рериха была своя идея-фикс: пережив сначала Первую мировую войну, а потом русскую революции и возмущаясь тем, как разумные существа могут вести себя как «потерявшие человеческий облик безумцы», Рерих пришел к своей формуле спасения человечества (впрочем, уже до него высказанной его соотечественником) - «красота спасет мир», а инструментом этой красоты должно стать искусство. «Искусство объединит человечество, искусство едино и нераздельно. У него много ветвей, но корень один». В Америке снова проявился неутомимый общественный темперамент Рериха: он организовал Институт объединенных искусств в Чикаго, объединение художников с характерным названием - «Пылающее сердце». А в 1922 году, опять же его стараниями, возник Международный культурный центр «Венец мира», где могли трудиться деятели науки и искусства из разных стран.
]]>(музыкальное сопровождение)
http://rutube.ru/video/embed/6110054
Nocturne
Guardian Angel
Basket of Love
Blind Inspiration II
Bounty
Cavalier of Flitting Past
Delighted by Light II
Double Harmony
Down to Earth
Dream Collector
Echo of the Golden Age
Everlasting Souls of Love
Flight of Inconceivable Consonances
Galatea
Gallantry Convention
Love is Blind
Lucky Fishing
March of Lonely Hearts
Melody of Rain
Muse
Porcelain Waltz
Proserpina
Secret Passion of Count of Orange
Sense Of the Night II
Sounding Silence
Spanish Archer Blues
Spring of Inspiration
Sunset Tango
Swing of Love
Total Crash
Vesper Blues
Vintage of Joy
Reality of Absurdity
Adamant Time to Love
Air of Attraction 2009
April
Art of Diplomacy II
Art of Diplomacy
Art of Diplomacy-III
Daguerreotype Theatre
Definitive Letter
Discord of Analogy
Endspiel
Evolution
Fury Path
Gold Fish Rising
Lady of Hurricane
Lady of the Instant
Lea of Inspirations
Mermaid`s Vague Dream 2009
Proposal
Secrets of Mastery
Secrets of Mastery II
Tea for One
Wake Up Call in Wonderland
Wind of Fortune
Bunfight with Copernicus
A la Guerre comme a la Guerre
Circle of Time
Cleopatra
Comparative Analogy II
Enigma of Generations III
Equilibrium at the Absolute Distinction II
Equilibrium at the Absolute Distinction
Final Cut
Formula of Autocracy _Portrait of Vladimir Putin_
Good Morning Dr_ Freud
Heritage of the Future
Lullaby for Desdemona
Lullaby for the Hero
Lullaby of Uncle Magritte
Metamorphosis
On the Edge of Eternity
Revelation of Don-Quixote Portrait of Vladimir Putin
Terra Incognita
Terra Incognita II
The Truth is Always in Between
Trinity
Twist of Local Geography
Whisper of Explosion
Windmill of Time
Illusions of Absurdity
Anna
Bouquet of Metaphors
Charmer of the Attraction
Cloud of Future Spring
Cock_n_Bull Story Tellers
Dance of Little Swans
Division of Prime Cause
Dream Catcher
Dream Flood in Fairyland H.C.Andersen
Fairness of Bluff
Illusion of Comfort
Imagine in memory of John Lennon
Lullaby for Butterfly King
Magic Flute Elementary Selection
Magic Flute II
Magica Lesson II
Magician Birthday
Matrix
Melody of Rain
Music Full of Surprises
On the Way Of Destiny
Nocturne of Delicate Scents
Pearl Rhapsody II
Perfect Stranger
Ship of Fool
Solitaire of Pantomime
Spring Tomfoolery
Strings of Moonlight
Swansophone Elegy
The Tune to a Silence
Unrequited Letters
Vessel Of Utter Bliss
Vessel Of Utter Bliss-II
Родившись в 1966 году в Котельниково, небольшом городе на юге России, Михаил взращивал свою страсть к искусству начиная с раннего детства. Когда его семья переехала в Германию, в 1980, западная культура произвела огромное впечатление на молодого художника.
В 1986 году он перебрался в Туркменистан, где окончил ашхабадскую школу изобразительных искусств. Впитывая в себя философию Востока и характер Средней Азии, он начал работать как независимый профессиональный художник, формируя свой собственный стиль и сюрреалистическое направление. Новой эпохой в жизни художника стала его эмиграция в США в 1997 году. Он вернулся к Западной культуре, которая так сильно вдохновила его в молодости, но сейчас он привнес в нее свой собственный опыт и философские взгляды.
В 1998 году, Михаил стал членом престижного Нью-Йоркского Национального Художественного клуба, где он был отмечен премией Комитета Выставки (Exhibition Committee Award) в 2000 году. Он также является действующим членом Society for Art of Imagination, начиная с 2002 года.
Его работы имеют международное признание и часто выставляются в галереях США и заграницей.